这是什么画?

插画怎么画?新手插画绘画教程!勾线是板绘的基础,学板绘都是从学勾线线条开始的,说白了,绘画就是由一条条的线构成的,如果线条都不想学,那这个板绘还有什么可以学的必要吗?所以勾线线条不但要学,还要学好,学透,学扎实,有了像样的基本功,画起板绘来才能游刃有余,如果你没有画线条的基本功,那就练,练,谁的基本功是天生的?不都是后天练出来的吗?

板绘线条勾线说难也难,说简单也很简单,心态问题,只要你肯多练习,是非常容易的,如果你认为不付出努力,就能轻而易举的掌握,我只能说,你的想法天真的可笑。别着急,先练好线条基功,再画线条勾线和玩似的。想要板绘绘画功底进步快,线条练习是重中之重。线条是轮廓,是形,把形打好了,之后的上色才不会乱。

很多刚开始画画的人,在临摹时为了画出与原稿一样的线条,握笔很紧,导致手抖、颤颤巍巍,下笔时,线条不是僵硬就是歪歪扭扭。其实正确的方法是画让五指以及手臂放松,不要担心画错,也不要强行要求与原稿线条走势一模一样。

线条因为起势与收势的不同,会呈现出不同的效果。

画线条时,多画长线条。即使是有弧度的,尽可能的一笔画出弧线,而不是一点一点去描线。画长线时如果无法一笔完成,可以用接线的方式画出长线。接线时,要注意线条的走势,两头轻,中间重。

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他不仅定义了波普艺术,还道破了传统艺术家们最不愿承认的事儿:艺术可以流行,还可以做得很商业。

他是谁:安迪·沃霍尔(Andy Warhol,),美国波普艺术的代表人物。

好奇心:为什么汤罐头不能成为艺术创作的内容?画可口可乐瓶难道就不是艺术了吗?

“在 60 年代,每一个人对每一个人都感到兴味盎然。在 70 年代,每一个人开始抛弃每一个人。60 年代吵吵嚷嚷,70 年代空空荡荡。”

说这话的人,正是那个在吵嚷的 1960 年代,引领起一场波普艺术革命的人。但他对 1970 年代的描述,似乎又不那么准确了。至少,就他自己而言,他从未被 1970 年代所抛弃。他从未被任何时代所抛弃。

在美国 1950 - 1960 年代的艺术家里,他是最早对艺术和商业的关系直言不讳的人,“商业艺术是艺术的下一个阶段。”

这句话,站在当时来看是预言;站在现在往回看,却更像是他的处心积虑。所幸的是,他遇到了一个好的时代。

在沃霍尔所活跃的 1960 年代初期,美国几乎有一半的人口,年龄在 18 岁以下——那是年轻人的时代。1950 年代摇滚乐和黑白电视剧带来的精神释放,已经不能满足他们。这些人一边反对保守、对固有文化保持质疑或不屑,一边享受着 1960 年代初彩色电视机带来的新鲜感,以及电影、广播、小说等流行文化衍生出的生活方式。他们的胃口正变得越来越大。

艺术家罗伯特·劳森伯格和贾斯培·琼斯首先站了出来。他们反对达达主义所崇尚的“虚无主义”,想方设法在艺术和生活之间建立联系。于是,人们在艺术作品里看到越来越多生活中的日常用品:流行的快速消费品先是被拍成照片,然后通过丝网印刷技术跃上画布。

罗伯特·劳森伯格的 《床》, 画布上挂着睡袋和枕头,并布满了五颜六色的颜料

沃霍尔最先捕获了这个潮流,开始用丝网印刷技术进行大批量的绘画。在此之前,他一直是个商业画家,专门绘制广告画。

1962 年,他创作的《金宝汤罐头》(Campbell’s Soup Cans)在洛杉矶展出,它包括 32 块帆布,每一块都画上了一个金宝汤罐头,使用半机械化的丝网印刷技术完成。这个现在被看作是沃霍尔代表作的作品,在当时的反响却很一般。反而是这场展览所引发的关于“沃霍尔到底是不是一个艺术家”、“《金宝汤罐头》是否有艺术价值” 的讨论,让当时还没什么影响力的沃霍尔成为了艺术圈里的谈资。

安迪·沃霍尔的《金汤宝罐头》

沃霍尔本人是不怎么在意这种讨论的。他相信属于他的艺术时代即将到来。他相信,商业社会加速了消费品的同质化,也把阶级给抹平。而流行文化正是商业社会里最具魔力的东西,无孔不入。

“有钱人和你喝一样的可乐、吃一样的热狗、穿一样由国际女装工人联合会生产的衣服、看一样的电视与一样的电影。” 沃霍尔说。

既然生活都已经不分阶级,又为什么要把艺术区别对待?

后来,他用一样的方法创造了以可口可乐、玛丽莲·梦露、伊丽莎白·泰勒为主题的作品,全都是关乎当下或流行的主题,要么就是生活当中最平常不过的东西。

他改变了艺术的内容,也改变了艺术创作的过程。为了加快创作的效率,他干脆雇佣了助手,让他们完成作品中的环节,自己只在最后签个名。整个过程就好像工业生产的流水线。

“沃霍尔画什么根本不重要,因为他的客户只看得见他的签名。” 艺术评论家。

1964 年,沃霍尔的《金宝汤罐头》单幅作品售价 1500 美金。这触动了他的艺术家同行,也在社会上掀起一场关于艺术价值的讨论。在一些人看来,沃霍尔的作品欠缺技巧,只是在卖弄概念,把“流行”当作自己的挡箭牌。

但这种“卖弄概念”的做法,沃霍尔之前就有人干过了——杜尚和他的那只马桶,曾让整个艺术圈吵得不可开交。但沃霍尔之所以空前绝后,是因为他不仅创造了概念,还是把这种概念普及给全世界的人:平常的东西,为什么就不能流行?他定义了波普艺术,这定义本身又变成了更具价值的东西。后来者杰夫·昆斯,达明安·赫斯特,或者村上隆,哪一个不是这个基础上的再发展?

他还不停地出现在大众媒体的聚焦之下,为的是保持永久的曝光度。这种自我宣传在四五十年代的艺术家看来,是不可想象的。

丝网印刷之后,他涉足电影、电视、雕塑、音乐,还创立了杂志《访谈》(Interview)。但他一点不满足。他说他非常嫉妒李维·斯特劳斯,因为他发明出了能大量生产的牛仔裤。

“我想我可能是全世界最善妒的人之一。如果我的左手画出美丽的图案,我的右手便满心嫉妒。如果我的左腿跳出优美的舞步,我的右脚就开始嫉妒。”他的嫉妒让他停不下来。

1987 年,他死于突发性术后心律不齐。今年六月,沃霍尔于 1962 年创作的《一块钱纸币》以 2000 万英镑的价格售出。时代什么时候抛弃过他?

这是 “50 个有好奇心的人” 系列,我们将介绍:,,艾萨克·阿西莫夫, ,亨利·卢斯,,约翰·亨德里克斯,,,,盛田昭夫,,诺兰·布什内尔,,乔治·伊士曼,,,冯·诺依曼,拉里·佩奇,,戈登·摩尔,安迪·沃霍尔,,“中本聪”,,,,保罗·史密斯,,萨奇兄弟,查理·芒格,,,林纳斯·托瓦兹,,马克·安德里森,埃德温·兰德,,,,哈利·厄尔,蒂姆·伯纳斯·李,,雷蒙德·达马迪安尼古拉·特斯拉,,,吉姆·克拉克,霍华德·休斯,。名单可能会继续扩充,如果我们发现了足够了不起的好奇心。 

在明星画廊博而励的展位上,艺术家廖国核看似随意的作品曾引发了两位观众的不满。 深圳晚报记者 杨端端 摄

“这是什么鬼画?这个也叫艺术作品么?竟然带这样的作品来展览!”9月18日,两位阿姨站在2016艺术深圳展场博而励画廊展位上,怒气冲冲用手使劲去扭捏一幅油画作品,并指着博而励画廊总监许冉冉的鼻子说:“以后再不要让我们看到这种画来深圳! ”这估计是温文尔雅的艺术深圳展场内发生的最戏剧化的一幕了。

并不喜闻乐见的“好画”

听完许冉冉的讲述后,记者仔细端详了这幅被骂的画:没有打基底色的画布上,一些看似极其随意的涂鸦线条,画布没有绷框,上面两只角固定在展板上,下面的两支角卷飘在空中。的确,这幅艺术家廖国核的作品不是传统视觉喜闻乐见的“好画”,很难对其产生敬畏感或愉悦感。甚至对于对有些美术史训练的观众来说,也会有挫败感。这一桩“廖国核画事件”充分说明了,尽管抽象绘画的价值不可低估,但它仍然没有成为大众文化组成部分的现实。

而在整个2016艺术深圳的展场中,除了这张有点“过火”的画以外,还有很多的让人觉得“看不懂”“不好懂”的抽象画,观念艺术,和艺术装置等。不少普通观众,在走进展场时也都在暗自琢磨,这些画什么意思?这些画能叫画么?这些艺术品有人买么?

两年前,艺术深圳主办方摒弃了往届“经典艺术+当代艺术+艺术衍生品”的办展模式,决定专注于当代艺术后,他们也都做好了要用“当代”和“抽象”给深圳人带来艺术观念和欣赏趣味的挑战,同时也要从中找到并培养出当代艺术藏家的准备。

“其实当时我不是特别生气”,被两个阿姨的怒气洗刷一通后的博而励画廊总监许冉冉平静地告诉记者:“这是好的疑问,因为五六年前在北京也产生过这样的效果,大家都在讨论这样的现象。接受是需要经历一个过程的,很多人认为廖国核画得很随意,其实这个艺术家的创作是很严肃的。并非所有的画都应该是浓墨重彩,一个艺术家可以用轻松的画面去表达对社会的体验。而艺术家能在众说纷纭的时代坚持自己独特的艺术是很不易的。廖国核有想法也有突破,他对生活仔细观察之后,在作品中提出了自己的批判和警惕。”许冉冉说,“估计以后对于当代艺术越看越多,这两个阿姨某一天会反省当时自己不礼貌行为。”

博而励画廊是这次参展艺术深圳的几个著名的大画廊之一,其签约的艺术家在当代艺术界颇有分量,风格突出个性鲜明。在博而励展位最显著的位置,著名当代艺术家张培力的一件影像装置《静音》占据了一大块空间。

其实,影像收藏在中国还是小众中的小众。许冉冉表示,之前在挑选作品的时候都是进行了深入的考量,这件作品是张培力在深圳制作的,大量的服装代工厂是早期深圳的特色,而这个作品的首展又是2008年在深圳OCT艺术中心,所以博而励希望将这件作品和深圳的关系表达出来。“既然来参加,就希望是拿出最好的面貌。” 在另一间惹人注目的明星画廊香格纳的展位上,也有一件很先锋的影像装置作品——艺术家胡介鸣的《一分钟的一百年》中呈现出的上千种影像,每一种都是对一件近现代艺术名作的解构和重新演绎。可以看出,香格纳也本次也是拿出了最能表现自己画廊主张的精品来,而不只是去迎合买家。

正如深圳大学美术馆馆长陈向兵评价:本次艺术深圳参展画廊整体投入力度很强,而且明显经过了精心策划和准备,显示出清晰的思路和个性特色。

当代艺术就要“敢为天下先”

深圳近年间涌现出来的本地新兴画廊,大部分都是走当代路线,而深圳美术馆、关山月美术馆、深圳画院、深圳大学美术馆这样的官方美术机构以及OCAT,华美术馆等机构美术馆也都做了不少有当代元素的艺术展。在这些展览中,一些更加激进的当代艺术早已超越了视觉感知的范围,而扩展到听觉、嗅觉、味觉和触觉等所有感知功能。在经常被这些当代艺术展熏染的业内人士和媒体人看来,博而励的这幅廖国核的画,也并非有多么惊世骇俗。

当代艺术要求人们更新观念,以新的眼光和态度来认识理解和接受。本次参展的台湾大象画廊老总钟经新认为,当代艺术主要是注重其精神性和未来性。著名当代艺术家梁铨告诉记者,当代艺术主要是探索一种可能性。著名策展人王端廷说,“抽象艺术”绝某种非从天而降的形式,了解抽象艺术需要花时间、需要认真去了解艺术史,而无捷径可走。

深圳大学美术馆馆长陈向兵认为,深圳是一座先锋城市,骨子里就有敢为天下先的基因。而当代艺术就是典型的“敢为天下先”的创新,符合深圳的当代气质。如今40岁以上的深圳人的生活是打拼出来的,而他们的深二代完全有条件在轻松的环境中享受文化的乐趣,张扬自己的个性,以后的深圳接受当代艺术并不会是一桩难事。

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