钢琴是现在最受欢迎的乐器之一，下面小编为大家提供新手钢琴入门的基础知识，希望对大家有所帮助!

　　第一步：培养正确的弹奏姿势

　　首先，要有正确的坐姿

　　身体要与键盘的中央对正(钢琴钥匙眼或d1与e1键缝)，座位高低以小臂与键盘同一水平，座位前后以肘弯略大于直角为宜，只坐凳子的三分之一，感觉到臀部和脚对身体重心的支撑。双脚自然置于踏板前，脚下垫物以膝弯不小于直角为宜。上身端正自然、略向前倾，双肩自然下沉，把全身的力量转移到指尖上。

　　其次，要掌握正确的手型。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致，左右肘部自然放松并稍向身体外侧展开。手型应放松，掌关节撑起，像是虚握着一个圆球，掌心空;指关节突出，手指弯曲的程度因手指长短而各异，大指第一关节仅以指侧端触及琴键靠边缘的位置，其余四指用指端肉垫部分触键，手腕自然放平，大约与键盘平行，此为钢琴弹奏的基本手型。

　　第二步：弹奏前应该让学生学习一些必备的基础知识

　　形象生动地让学生认识钢琴键盘的排列并唱出音的高低长短。

　　由于学生年龄、接受力均不一样，所以要用适当的比喻来启发学生的思维。学习音高排列时不要把一个个的音孤立起来变成和音乐毫无关系的符号，而是要赋予它生命，可以画上楼梯、小山，用爬楼梯、上下山来让学生体会旋律的倾向性;在区分高音区，中音区和低音区时可以用动物的声音作比喻，高音区像小鸟在清脆的歌唱，低音区则像狮子吼叫的声音等。这样才能使学生更容易接受，更便于记忆。

　　第三步：正确掌握非连音、连音、跳音的弹奏技术

　　1、非连音奏法：让学生体会重量落下，手臂的放松。先将手腕慢慢提起，手放松下垂(可以适度的甩甩手腕感受整个手的放松)，略高于键盘后自然落下，落下后，手腕略低于手，保持好拱形的基本手型。除正在触键的指尖和指尖关节用力外，其余手指以及手掌、手腕、手臂、肩直至整个上半身都要保持松弛状态，使肩和臂的重量畅通无阻地“凝聚”在指尖上。对于学生的非连音奏法训练首先从3指开始，因为3指是最有力、最容易指挥的手指。3指掌握动作要领后，依此类推学习其他四个手指。在学习非连音奏法时，要充分发挥学生的音乐听辨力，让学生辨别各种方法弹出来的声音的好坏，努力追求一种不敲不砸、不虚不浮，像敲钟一样圆润、丰满的声音，使其在学琴初期就建立起一种正确的声音概念。

　　2、连音奏法：体会音与音间的连贯，关键是重心的移动。连音奏法应从两个音的连音开始，让学生在学习两个音的连奏中体会与非连音奏法一样的落下，然后再轻轻抬起第二个手指，像走路一样，把第一个音落下去时手指所承受的重力均匀、平稳地转移过去弹奏第二个音，紧接着又像弹奏非连音时一样将手再提起来。掌握了两个音的连奏后，再练习更多音的连奏，逐步扩大。学习连音奏法时特别要注意音与音的连接，后一个音未弹出之前，前一个手指不能离键，否则弹出来的音就不连贯。

　　3、跳音奏法：分为手臂跳音、手腕跳音、手指跳音等多种。青少年学生启蒙教学可从手臂跳音入手学习。手臂跳音的弹奏是与非连音一样地提起手腕重量落下，手指一触及键盘立即反弹起来，迅速离键，轻巧、富有弹性。这种跳音对于学生来说易于掌握，但不容易区分与非连音的关系。注意下键后手腕、手臂放松，利用手指的反弹力迅速离键。手臂跳音奏法运用于音符节奏进行不太快，力度强或较强的单音、双音或和弦的跳音。其次是学习手腕跳音奏法，这种跳音手臂不动，保持稳定的拱形手架子，以手腕关节为枢纽上下运动。它的动作像小鸡啄米时颈部灵活快速上下摆动的姿态。整个手部像鸡头，指尖像鸡嘴，而手腕则相当于鸡脖子。手腕跳音由腕发力，通过腕关节放松而有弹性地上、下动作，加上手指的弹跳力加以完成。应用于速度较快，力度弱或较弱的连续性单音、双音或和弦跳音。还有手指跳音奏法的学习，它要求指掌关节上、下动作敏捷，有爆发力，手指快速下键后，力量集中于指尖，手指一经触键即迅速弹离键盘。手指跳音宜用于力度弱而速度快的连续性单音跳音或同音反复音。无论哪种跳奏法，手腕的弹性及自下而上的弹跳始终是关键。

　　稍有物理知识的人都会知道，声音是因为物体的振动而产生的。音乐是听觉艺术，其最基本的构成就是声音。但是并不是我们在自然界中听到的一切声音都可以作为音乐的构成材料。在音乐体系中用到的声音，是无数人经过长期实践精选出来的、能够体现人类感情的声音。这些声音组成了一个固定的乐音体系，又经由几十代音乐大师之手，创作出了无数优美、动人、振奋人心的传世佳作。为我们留下了一笔丰厚的文化遗产。

　　从听觉角度来讲，声音主要由四种属性――高低、长短、强弱、色彩(即常说的音色)。其中：

　　音的高低是由发音源在一定时间内的振动次数(频率)来决定的。振动次数越多，频率越高，音也就越高。反之则低;

　　音的长短是由发音源振动时所持续的时间来决定的。持续的时间越长，音越长，反之则短;

　　音的强弱取决于由发音源的振动幅度(振幅)，幅度越大，音越强，幅度小音就弱;而发音源的材质、形状及泛音数的多少则决定了音色。

　　声音的以上这四种属性，在音乐的表现中都是非常重要的，其中又以“高低”和“长短”最为重要。比如一首歌曲，本来是由人声演唱的，但是如果我们把它改编为器乐曲、并且减小音量，虽然改变了音的长短和音色，但是仍然可以很容易地分辨出它的旋律。但是，如果我们把这首乐曲中每个声音的长短、高低随意的改变，其原来的旋律马上会受到严重的破坏――面目全非呀!由此可见,无论是创作、演奏、歌唱的时候都应该对声音的高低(音高)和长短(即后面要谈到的“时值”、“节奏”)加以特别的注意。

　　由于物体在振动的时候并不是总是规则的，所以声音又有“乐音”和“噪音”之分。规则振动发出的是乐音，反之则称为噪音。在音乐中，用的最多的是乐音，但是这并不代表噪音就不属于音乐的组成部分，乐队中的大部分节奏打击乐器所发出的声音就属于噪音，但它同样具有非常丰富的音乐表现力，甚至成为了现代通俗音乐中不可缺少的部分。

　　最后，还需要再提到的一点是――我们平时听到的某一个音都不只是一个单独的纯正的音在响，而是许多个声音的结合，我们称之为“复合音”。这是因为物体在振动的时候不仅整体在振动，而且各个部分也在振动。以吉他为例，在我们拨响一根琴弦地的同时，这根琴弦的1/2、1/3、1/4……各个部分也都在分别振动。这种由琴弦(发音源)整体振动产生的声音称为“基音”，是最容易被人耳听到的声音。其它部分振动产生的音，称为“泛音”在与基音同时发声的时候是不容易被听到的，除非我们刻意地抑制基音，突出泛音。比如吉他中的自然泛音和人工泛音奏法。

　　为了说明这个理论，更直观的理解，有吉他的朋友可以在每条弦的第12品附近做一个试验。――先用左手的小指轻轻地虚按在任意一根弦的第12品位置(琴弦不要碰到音品)，然后用右手拨动这根弦，同时马上抬起左手的小指。这时你会听到一个不同于弹奏这根弦的空弦或第12品时的、非常特别的声音，这就是泛音。现在，观察一下儿吉他第12品对于琴弦来讲的大概位置。怎么样?对了是1/2处!同样1/3处(第7品)、1/4处(第4品)都有这种声音。

　　体系、音级、音列和音的分组

　　一个不是很重要的概念(简单了解即可)――在音乐体系中，所有具有固定音高的乐音的总和，叫做乐音体系。乐音体系中的音，按照上行(xíng)即从低到高或下行(由高到低)的次序排列起来的音叫做音列。我们在钢琴上可以明显地看出乐音体系中所使用的音和音列。标准的钢琴有88个键，也就是说钢琴由88个音高各不相同的音。除此之外的音很少用在音乐中。

　　下面要讲一个比较重要的概念――音级。

　　乐音体系中的每一个音叫做音级。音级有基本音级和变化音级两种。

　　在乐音体系中，具有独立名称的7个音级叫做基本音级。这7个音级表就是现在钢琴上白色琴键所发出的声音。

　　基本音级的名称有音名和唱明两种标记方法，每个音级的音名是用字母来标记的。唱名则利用读音来表示。(关于音名和唱名的关系，我们将在后面的调式与调性的部分具体讲解。)以C大调为例：C大调基本音级的音名从低到高分别标记为：C、D、E、F、G、A、B与其对应的唱名则是do、re、mi、fa、sol、la、si七个读音。

　　在乐音体系中7个基本音级的标记(音名和唱名)是循环使用的。即C、D、E、F、G、A、B之后又回到c、d、e、f、g、a、b或do、re、mi、fa、sol、la、si之后还是do、re、mi、fa、sol、la、si……如此循环往复。

　　但是，每一个循环中的音级是音高不同的，也就是说，虽然音名(或唱名)相同但音高是不一样的。在标记音名时时采用大写、小写，或者是在大写字母后加入下标、小写字母后加入上标的方法加以区别。如：C、a、a1(后面的数字“1”应为上标形式)、B3(数字“3”应为下标形式)。其中两个相邻的、具有同样名称的音的关系叫做“八度”。

　　在七个基本音级中，除了E和F(C调唱名为mi和fa)、B和C(C调唱名为si和do)之外，其他的两个相邻的音级之间还可以得到一个音，也是人耳可以明显分辨出来的。

　　我们举一个例子――在C音和D音之间还可以得到一个音高既不同于C又不同于D的音，也就是说这个音要比C音高但是又比D音低。我们可以认为这个音是升高C音或者说是降低D音得来的。这种升高或降低基本音而得来的音，叫做变化音级。变化音级表现在钢琴上就是黑色琴键所发出的声音。变化音级的标记方法是在基本音级的前面加入#(升号)或b(降号)。如C音和D音之间的音，我们可以说它是升高C音而得来的.，这样就把它标记为#C(读做“升C”)，同时，我们也可以认为它是降低了D音而得来的，因此也可以把它标记为bD(读作“降D”)。

　　由此可见，#C和bD实际上是一个相同的音，只不过标记方法不同罢了。这种标记方法不同、实际音高相同的音叫做“等音”。

　　前面我们讲过，在乐音体系中七个基本音的名称是循环重复使用的。因此就会产生许多音名相同而音高不同的音，为了加以区别，我们将音列分为许多个“组”。

　　最中央的一组叫做“小字1组”，用小写字母并在右上方加数字1来表示，如c1、d1、e1、f1……(字母后的数字应为上标形式，下同)比小字1组高的音组依次命名为“小字2组”、“小字3组”、“小字4组”、“小字5组”，其中，小字2组的标记方法是――用小写字母并在右上方加数字2。其他各组的标记方法依此类推。

　　比小字1组低的音组依次命名为“小字组”、“大字组”、“大字1组”、“大字2组”

　　小字组的音用不加数字上标的小写字母来标记，如c、d、e、f、g、a、b;

　　大字组的音用不加数字下标的大写字母来标记，如C、D、E、F、G、A、B;

　　“大字1组”和“大字2组”的音用大写字母并在右下方加数字下标来表示：如F1、G1、B2、A2……

　　同名变化音级的标记方法只要在基本音级的前边加上#(升号)或b(降号)即可，如#A1、#e、#f2、bA、bg3……

　　下面以钢琴为例，介绍一下儿音的分组(只列出基本音级的分组)――在钢琴上，从左向右(由低到高)基本音级(白键)的分组依次为：

　　大字2组：A2、B2

　　大字组：C、D、E、F、G、A、B

　　小字组：c、d、e、f、g、a、b

　　五线谱利用许多条相互平行的横线，和音符、休止符来纪录音乐。不同形状的音符和休止符标明了每个音的时值(声音持续时间的长短)，这些音符在五线谱上的位置决定了声音的高低。

　　五线谱的基本谱面有五条平行的横线，相邻两条线之间的空余部分称作“间”，五线谱就是用这些线和间来纪录音乐的。在五线谱上，这五条线和四个间是由下至上计算的，即最下面的线称作第一线，它上面的一条叫做第二线……其余依此类推，一直到第五线;由第一线和第二线画出的间叫做第一间，再上面的称第二间、第三间、第四间。

　　很明显，如果仅仅利用基本谱面上的五条线和四个间，我们最多只能纪录9个基本音级，加上变化音级也不过14个音，这在很多音乐作品中是远远不够的。因此，为了纪录音高高于第一线或者低于第五线的音级，还要在第五线上面或第一线下面加上许多短线，叫做“加线”。位于基本谱面上面的加线叫做上加线、下面的叫做下加线，并且由此产生了上加间和下加间。

　　加线和加间的计算方法是：上加线和上加间与基本谱面的计算方法相同，也是由下至上计算。即：第五线上面的加线依次为：上加一线、上加二线、上加三线……。第五线和上加一线形成的间叫做上加一间，在向上依此类推;下加线和下加间则由上向下计算。即：第一线下面的加线依次为，下加一线、下加二线、下加三线……。第一线和下加一线形成的间叫做下加一间，依次向下为，下加二间、下加三间、下加四间……。

　　2.音符、休止符：

　　音符就是在五线谱上记录声音持续时间长短(时值)的符号。

　　休止符就是记录声音间断时间长短的符号。休止符同样记录的是声音，只不过它记录的声音不发声而已。可以说休止符是“不发声的音符”，它同样对音乐的表现具有重要的意义。

　　音符由“符头”(空心或实心的椭圆形标记)、“符干”(垂直向上或向下的短线)和“符尾”(连在符干末端的细细的旗状标记。)三部分组成。根据时值的不同分为：

　　二全音符(很少使用)：空心符头，并且左右加垂直的短线。没有符干、符尾;

　　全音符：空心符头，没有符干、符尾;

　　二分音符：空心符头加符干;

　　四分音符：实心符头加符干;

　　八分音符：实心符头加符干和一条符尾;

　　十六分音符：实心符头加符干和两条符尾;

　　三十二分音符：实心符头加符干和三条符尾;

　　我们用五线谱记录音乐的时候，并不是把所有的音符、标记堆积在谱面上就可以了，而是要遵循一些标记规则的。正确地掌握这些规则，可以使谱面清晰明了，从而能够准确地反映乐思，并且有助于相互的交流。

　　前面我们讲过音符最多可以由三个部分组成――符头、符干、符尾，其中，音符的符头可以记在五线谱的任意线或间上。符头在五线谱上的位置越高，则它所代表的音就越高。反之则越低。

　　在记录单声部音乐的时候，因为单声部音乐在同一个位置上的音符时值是相同的，即此位置上的音符可以共用一条符干。所以我们采用单符干方式记谱。用单符干记谱时，当符头在第三线以上时，符干朝下，写在符头的左边;当符头在第三线以下时，符干朝上，写在符头的右边;符头在第三线上时，符干朝上或朝下均可，此时要邻近音符的符干方向而定。符尾永远写在符干的右边并且弯曲指向符头。如果同一时刻有多个音符同时发声，则各个音符纵向对齐记录，此一列音符共用一条符干，符干的方向以距离第三线最远的符头为准。如果不同时刻、相互连续的几个(列)音符都有符尾，这时可用共同的符尾(符杠)相连。如果符杠在两条以上，则相互之间要平行。

　　单声部音乐永远用单符干记谱，多声部音乐只有在节奏相同(同一时刻每个声部中的音符时值相同)时才可以用单符干方式记谱。节奏不同时，要用双符干或多符干记谱。在用多符干记录二声部乐谱时，高音声部的音符，符干朝上，低声部的符干朝下。声部交错时(即高声部最低的音有时会低过低声部的音。)，其原则不变。

　　符干的高度一般保持八度音的距离，假如符干连着许多符头时，符干的长度应是符头间的距离加上八度音程的距离。如果符头在上加三线以上，符干必须延伸到五线谱的第三线或者第四线。如果符头在下加三线以下，符干必须延伸到五线谱的第三线或者第二线。音符如果带有符尾，则符尾形状不变。

　　当许多音符以共用符尾连结在一起时，会出现符干长度长短不一的情况。这是要使符杠(共用符尾)与最近的符头之间的距离保持在八度左右。符杠的角度要和音符在谱面上的走向基本平行。符点(后面将要介绍到)要写在音符符头或休止符右面的间内，而不是线上。

　　休止符在单符干记谱时要写在第三线或尽量靠近第三线的位置。二分休止符写在第三线的上面，全休止符写在第四线的下面。双符干记谱时，如果是各声部共同休止的时候，休止符的写法和单符干记谱相同。个别声部休止时，休止符要写在五线谱的边缘，或线谱的外面。这时全休止符和二分休止符就需要加线，全休止符写在加线的下面，二分休止符写在加线的上面。

　　在前面我们曾经讲了一些具有基本时值的音符。但是，当我们利用五线谱记录乐曲的时候，仅仅依靠这些音符是不够的。比如：当我们要记录一个音符，但是，它的时值相当于一个半二分音符那么长。也就是说这个音符的时值比二分音符长，比全音符又要短一些，很明显如果用基本音符来表示就无能为力了。在这时，我们就需要用到一些给基本音符增加时值的补充记号。这主要由三种：

　　符点是记在音符符头右边的小圆点儿，用以增长音符的时值。如果一个音符的右边带有一个符点，那么就表示此音符的时值在原来的基础上还要再增加1/2;如果是带有两个符点的音符，则表示此音符的时值在原来的基础上还要再增加3/4。例如：带有一个符点的二分音符，它的时值就是一个二分音符再加上一个四分音符的长度。

　　带有一个符点的八分音符，其时值等于一个八分音符再加上一个十六分音符的长度。

　　带有两个符点的全音符，其时值等于一个全音符再加上一个二分音符的长度。

　　带有两个符点的四分音符，其时值等于一个四分音符加上一个八分音符的长度……

　　同样，符点一样适用于休止符，它所表示的意义和用在音符后面时是一样的。

　　延音线是一条向上或向下弯曲的弧线，其作用是：将两个或两个以上具有相同音高的音符相连，在演唱或演奏时作为一个音符，它的长度等于所有这些音符的总和。

　　在单声部音乐中，连线永远写在和符干相反的方向。如果是双声部音乐，则高声部的连线朝上弯，低声部的连线朝下弯。如果多于两个声部，连线则分别记在两边。

　　延长号的形状是在一个半圆形的中间加上一个圆点，在单声部音乐中，它写在音符或休止符的上面，表示按作品的风格、演奏者的意图可以自由的增长音符或休止符的时值。在多声部音乐中，延长号也可以记在音符或休止符的下面。此外，延长号还可以记在小节线上，表示小节间片刻的休止。当延长号记在双纵线小节线上时，代表音乐的结束或告一段落。

　　变音记号是用来表示升高或降低基本音级的记号，一共有五种：

　　1.升记号(#)：表示将基本音级的音高升高半音;

　　2.降记号(b)：表示将基本音级的音高降低半音;

　　3.重升记号(※)：表示将基本音级的音高升高两个半音(一个全音);

　　4.重降记号(bb)：表示将基本音级的音高降低两个半音(一个全音);

　　5.还原记号：表示把已经升高或降低的音还原。

　　从纵向位置来讲，变音记号可以记在五线谱的线上或间上，以对应要改变的音符;从横向位置来讲，变音记号可以记在音符的前面或谱号的后面。

　　直接记在音符前面的变音记号叫做临时变音记号，它只对所在小节中的所有具相同音高的音符有效――比如，在一个小节中，临时升记号记在了第五线的F音上，那么就表示本小节第五线上的F音在演奏时要升高半音。但是，如果在此小节中还有一个第一间的F音(同名不同高)，并且希望这个音在演奏时也升高半音，那就需要在此音符的前面也加上一个临时升记号#。

　　注意：临时变音记号只对其所在小节内的音符生效。进入到后面小节中所有改变的音符自动还原。

　　当变音记号写在谱号(乐曲第一小节最前面的花体符号)后面时，则称为“调号”，它是用来标记乐曲的调式的。除非在乐曲的进行当中改变调号，否则它对五线谱内所有具有相同音名的音符都生效。――比如G大调的调号是一个升号，记在第五线上。它表示谱面内所有的音名为F的音符(包括同名不同高的音符)都要升高半音，而不仅仅是升高第五线上的F音。

　　如果在乐曲进行当中需要改变调号，则需要遵循如下规则：

　　1.增加原有升号或降号的数目。这时只需要在要改变调号的那一小节的开始处直接写出新的调号;

　　2.减少原有升号或降号的数目。这时要先在前一小节的最后还原多余的变音符号，然后在要改变调号的那一小节的开始处直接写出新的调号;

　　3.升号调号变降号调号或降号调号变升号调号。这时要先在前一小节的最后还原原有的变音符号，然后在要改变调号的那一小节的开始处写出新的调号。

　　学钢琴的乐理基础知识

　　一、学钢琴的基础乐理知识之节奏与节拍

　　节奏是一个广义词，它包括了音乐中与时间有关的所有因素，这里概括了拍子、小节、循环周期和重音的位置。在音乐里节奏是至关重要的，音乐犹如千军万马节奏把它们有序的组织在一起，按着音乐的强弱、长短，使它们有序的进行着，如果没有节奏，音乐就会杂乱无章，不成其为音乐。节拍是指强拍和弱拍的组合规律。有很多有强有弱的音，在长度相同的时间内，按照一定的次序反复出现，形成有规律的强弱变化，这就是节拍的作用。说到节拍，不可不说“拍子”。“拍子”用简单的话来说你用一个手掌来拍。手掌一下、一上，这就叫做一拍，(如果用两只手对拍的话，那么一张一合，就叫一拍)单单拍下去，叫做半拍，再抬起来，也是半拍，这样算起来一上、一下加起来就是一拍(等于半拍加半拍)。

　　拍号是用分数的形式来标画的，分母表示拍子的时值也就是说用几分音符来当一拍，分子表示每一小节里有几拍，前面说过了2/4拍就是以四分音符为一拍，一小节有2拍，3/4以四分音符为一拍，每小节有三拍……读法是先读分母，再读分子，比如2/4叫四二拍，3/4叫四三拍，6/8叫八六拍。拍号要写成分数的形式，是因为在五线谱中把全音符作为整数1看待。全音符是1，二分音符是全音符的一半，自然是1/2，四分音符的时值就是1/4，以四分音符为例，每小节有2拍，(两个四分音符)时，拍号就要写为2/4，如果每小节有三拍(三个四分音符)就标画成3/4，这样以此类推。

　　二、学钢琴的基础乐理知识之五线谱

　　五线谱是用来记载音符的五条平行横线。五线谱的五条线和由五条线所形成的间，都自下而上计算的。假使音乐作品是写在数行五线谱上，那么，这数行五线谱还要用连谱号连结起来。

　　在五线谱上音的位置愈高，音也愈高，反之音的位置愈低，音也愈低，但到底高多少?低多少?却无法确定。在五线谱上要确定音的高低，必须用谱号来标明。谱号记在五线谱的某一条线上，便使这条线具有了固定的音级名称和高度，同时也确定了其他各线上或间内的音级名称和高度。通常用的谱号有三种：

　　G谱号：表示小字一组的g，记在五线谱的第二线上，又叫高音谱号;另外有记在第一线上的，叫古法国式高音谱号。

　　F谱号：表示小字组的f，记在五线谱的第四线上，也叫低音谱号;另外还有记在第五线上的，叫倍低音谱号。

　　C谱号：表示小字一组的c，可记在五线谱的任何一线上。目前被采用的C谱号有C三线谱号(又名中音谱号)为中音提琴所用，有时也长号所用。C四线谱号(又名次中音谱号)为大提琴、大管和长号所用。其他C谱号一般较少应用。使用许多谱号的目的是为了避免过多的加线，以使写谱和读谱更加方便。各种谱号可以单独使用，也可以连接起来使用。

　　三、学钢琴的基础乐理知识之变音记号

　　用来表示升高或降低基本音级的记号叫做变音记号，变音记号有五种：

　　升记号(#)表示将基本音级升高半音。

　　降记号(b)表示将基本音级降低半音。

　　重升记号(×)表示将基本音级升高两个半音(一个全音)。

　　重降记号(bb)表示将基本音级降低两个半音(一个全音)。

　　还原记号(ヰ)表示将已经升高或降低的音还原。

　　变音记号可以记在五线谱的线上和间内;可以记在音符的前面和谱号的后面。记在谱号后面的变音记号叫做调号。在未改变新调之前，它对音列中所有同音名的音都生效。如果在乐曲中间要更换调号时，可能有三种情况。

　　更换调号如果发生在一行乐谱的开始处，这时应该在前一行乐谱的末尾处将所要更换的调号预先记写清楚，并将最后一条小节线向前移，以便记写新调的调号。

　　增加原有升号或降号的数目时只要在更换调号处的小节线右边写出新调的调号便可以了。

　　减少原有升号或降号的数目时需要在更换调号处的小节线左边将多余的变音记号还原。在小节线的右边写出新调的调号。

　　升号变降号或降号变升号时需要在更换调号处的小节线左边将原来的变音记号还原，在小节线的右边写出新调的调号。直接放在音符前的变音记号叫做临时记号。临时记号只限于同音高的音有效，而且只到最近的小节线为止，在多声部乐曲中临时记号往往只对一个声部有效。为了提醒废除前面所用的临时记号，有时在小节线后面加上另外的临时记号。

　　学钢琴时，一定要掌握这些基础的乐理知识。就像造房子，地基打稳了，房子才可以建的高而稳;只有把学钢琴的基础乐理知识掌握牢固了，才可以把钢琴学好、学精。

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