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赵薇：一个导演的自我生长
【赵薇倒是对自己所演的角色都有很认真的回顾。作为多年的行业内的中坚人物，她能够用非常专业的眼光来看自己当时扮演的角色的问题。不推诿，也不矫饰，坦率得近乎真诚。谈到《玉观音》，她觉得是自己没有演好，导演的才能是不容置疑的。“非常棒的女导演，非常棒的一部电影。”她觉得当时自己还很幼小，没有能力帮到这部电影。“演员需要时间、经历和沉淀。”】
走出偶像时代
许鞍华一直很喜欢赵薇，她开始找赵薇拍的第一部电影，是2001年的《幽灵人间》，一部很细腻的发生在香港城市里的鬼片。可是赵薇拒绝了――她有点不好意思地回忆：“我害怕鬼。”她怕鬼，那年她25岁，红得如日中天。演出了一系列的香港电影，当年都是卖座大片，包括不俗的《少林足球》和糟糕的《炮制女朋友》，她又有点不好意思地说：“找我拍就是因为电影好卖。”她不觉得那个时代自己演技已经很高明了。
许鞍华说，她一开始就觉得赵薇演技很好，戏剧风格也多变，可是在内地观众心目中，她就是个偶像。或者是“好像还珠格格那种喜剧明星，他们甚至根深蒂固地觉得，她并不适合演戏”。这大概是全世界电影工业的共性，演员被定型后很难摆脱。不过许鞍华不觉得自己错，她还是真心觉得赵薇懂得演戏，且还是适合银幕的那种经典的角色，包括演出悲剧。赵薇同样能演出幽怨和质感――事实证明许鞍华是对的，若干年后，赵薇不少角色都带有浓厚的悲剧色彩，也都非常精彩，包括《花木兰》、《画皮》中的角色。不过，早年的观众和市场都并不这么认为。而《致青春》更是如此，完全摆脱了她早年的风格和影响。
在2002年导演《玉观音》的时候，许鞍华找到了赵薇，让她演出性格上充满矛盾的安心。这是一个很复杂的女性，既性感，又贞烈；女性化但是又很独立。赵薇是从头到尾都有戏，她很朴素，有楚楚可怜的情感，只是不太像受过训练的刑警，这实际上也有导演许鞍华的问题，整个电影的弱项都是动作方面，许鞍华说这是一出有缺陷的戏，她当时并不熟悉变化中的内地电影状况，所以有此失误也很正常；同时上演的张元导演的另一部电影《绿茶》也遭遇了票房不好的命运，正好主演也是赵薇，结果赵薇被戴上了“票房毒药”的帽子，没人去认真分析电影的得失，而是很简单地把帽子加在一个女演员的头上。
赵薇倒是对自己所演的角色都有很认真的回顾。作为多年的行业内的中坚人物，她能够用非常专业的眼光来看自己当时扮演的角色的问题。不推诿，也不矫饰，坦率得近乎真诚。谈到《玉观音》，她觉得是自己没有演好，导演的才能是不容置疑的。“非常棒的女导演，非常棒的一部电影。”她觉得当时自己还很幼小，没有能力帮到这部电影。“演员需要时间、经历和沉淀。”
“现在自己拍电影，特别会注意每一场场景的设计，我不是那种随意的导演，我拍一场戏，所有的场景、情绪都精心设计，哪怕是表面特别随意的情绪，背后可能都酝酿了几个小时。”她觉得这个过程异常枯燥、刻板，可是完全正确，拍电影容不得投机取巧。
也有人说赵薇是因为要转型所以接文艺片种，这种话，从她年轻时听到了现在。“转到哪里去啊？我只是每部片子都按照角色设计演出而已。”她不是一个明确规划自己的演员。
在电影道路上她是不明确的，没有包装和营销，就是模糊着往前走。那时候有个念头，再不好的文艺片也接，再好的商业大片也不接。成龙的《新警察故事》找到她，结果她去接了小成本的《绿茶》。尽管张元的导演方式不合她的演出习惯，不过，赵薇把一个性格分裂的生活在悲剧中的女孩子演得很自然。
她的好朋友，也是《致青春》的编剧李樯说，赵薇演戏有个明显的特点，就是放松。一般演员在很多场面中都会采取紧绷的处理方式，可是她却很放松，这样有好处，就是整体自然舒展；可是也有坏处，许多有激烈情感冲突的戏，包括很多有爆发力的戏，大家都觉得她演不出来。“其实她能演，甚至演得很出色。”比如赵薇在《绿茶》中的表演，开始一直在简单的平面徘徊，她只是在展示自己内心的压抑，可是最后扇方力钧耳光那场，却有力量。“她很适合有爆发力的戏，在那里只是小试验，后来许多戏里面更明显。现在她和陈冲演出《放浪记》，里面的角色也是大开大阖的。”
李樯编剧的《孔雀》、《立春》、《姨妈的后现代生活》都是有浓重悲剧感的电影。他和许鞍华一样，都觉得赵薇是个好演员，能演出戏剧冲突，所以他本能地觉得赵薇适合他的悲剧基调的电影。“她不是那种温吞水的演员，从自然而然，到全面爆发，她可能只需要一瞬间。”李樯觉得是机会没有降临到赵薇身上，因此，在拍摄《姨妈的后现代生活》的时候，有个小角色，戏份不多，可是需要特别的表演才能，他想叫赵薇来演出，可许鞍华说：我不敢。她是“人气明星”，这种事情我都不好意思出口。李樯并不认识赵薇，可是他是个异常简单的人，也完全不管电影圈的人情世故，自告奋勇，说他去找赵薇谈谈角色。没想到，这一谈，两人当场定下了演出的事情。都觉得对方是对电影真正有追求的人。
做美术指导的李杨现在还记得在《姨妈的后现代生活》的片场，第一次看到赵薇的情景。“只看过她的小燕子，知道她演戏放得开，但是没有想到她演这么一个小角色这么出彩。”他给赵薇扮演的东北女厨师刘大凡设计服装，要突出她的东北式的审美，艳丽、朴实，结果是一件红色的皮外套加一条绣牡丹花的弹力裤。“开始担心她拒绝，很多女明星只关心自己好看不好看，剧情和审美不在她们的规则内。可是赵薇二话没说就穿上了。”
当时他们看剧本，刘大凡的戏不多，角色描写也不详细，可是赵薇发挥得很好。“许多人都觉得她大大咧咧，和那个角色有类似的地方。其实完全不一样，那个人物是东北人，虽然戏不多，但是层次却很多，从开始的粗枝大叶，到后面的细腻的哀伤，包括她内心固有的伤感，都需要很强的表演能力。”李樯在设计电影的时候，没有强调实体的城市，他强调的有压迫感的城市生活不是具象的，而是模糊的现代压迫。可是衣着粗俗，口音也很东北乡土的赵薇却把小城市鞍山和上海的对立演绎了出来，她初到上海的大医院那一场，冲进病房，问护士长穿的鞋子是哪里买的，展现的还是人物粗枝大叶的一面，可是越往后走，她的厚度越来越明显，她不再是那个肤浅的东北女孩，而是一个对母亲爱恨交加、对外面的世界又渴望又恐惧的小城市姑娘。不少人对她在其中的一场戏印象深刻：和男友分手后，刘大凡面色平淡地走在餐馆外的街道上抽一根烟，脸上没什么表情，可是种种痛苦、厌倦和绝望都在里面了。李樯说，她把一个剧本里并不复杂的人物演出层次来了：善良、简单、空虚。
两人的友谊如小树般生长。赵薇说，和李樯第一次见面，就抗拒不了他的要求，觉得他会是自己的人生知己。现在更是这样，赵薇几乎杜绝了和电影圈朋友的一切活动，唯一的活动对象，就是李樯。她经常说：我电影圈最重要的良师益友就是李樯；而李樯也觉得，像赵薇这种心性明澈的女演员，在电影圈几乎非常稀少，也是他最好的朋友。
可是要走出偶像身份，没有那么容易。2005年，霍建起找到赵薇和陆毅，拍摄一部情人节上演的电影，片名就叫《情人结》，因为选的是两位偶像明星，包括上演的档期关系，很多人就觉得这是一部商业定制式电影，完全不予以重视，加上票房不好，许多人又用老观念去指责赵薇，而她凭借这部电影当上了上海国际电影节的最佳女主角，当时人们也议论纷纷。导演霍建起说，大家对赵薇有偏见，太轻视她的演技了，实际上，她一直在进步之中，把电影市场的不景气怪在一个演员身上，不太公平。李樯也说，影评体系是没有标准的，大家不知道一个电影的成败背后错综复杂的原因，很多电影当时市场不好，往往被找到一个最简单的替罪羊。由于发行方面原因导致的失败也怪罪到当时最容易被找到的“替罪羊”赵薇身上。2005年，中国电影类型片单一化的典型一年，那一年的大片是《无极》和《天下无贼》，霍建起所拍摄的文艺片，实在是不能引起任何重视。
“你去看看《情人结》里她的表演就知道了。”李樯说，“尤其是最后一幕。”这是一个中国式的“罗密欧和朱丽叶”的故事，不同的是结局，两人经历了多年的磨难后，终于结合了。霍建起选择了一个很简单平淡的场面表现两人多年后的相遇。第一个长镜头是婚纱店里，赵薇和陆毅相遇，她扮演的是一个30多岁、对爱情已经逐渐看淡的老姑娘，但是重见自己的爱人，脸上的表情由惊喜到疑惑，再到爱情自然而然地重新萌生，非常有层次感；第二个长镜头仍然是对准她的，一个几分钟的面部特写：她成为新娘后，在简陋的照相馆里面对着镜头，先是满足感，接着，是慢慢地眼睛里浮现出泪水，似落非落之间。和《甜蜜蜜》中张曼玉的那段经典表演很相似，一个经得起这种拍摄的女演员，演技上了一个台阶。
中国的大片时代带来的恶果是：演员必须参与到大片中，大家才觉得你仍然保持一线地位，可是大片多是资本方的游戏，许多演员是按照既定的套路去接受被动角色设计的。很少有发挥的空间，演员的定型化、符号化越来越严重。2008年，赵薇的《赤壁》就是典型的例子，她扮演的孙尚香其实还是还珠格格的延伸版，表现的男孩子气，活蹦乱跳和单纯，这种角色对于赵薇已经是驾轻就熟的套路，资本方也不希望她有所改变。真正能看出她的变化的，是《花木兰》。
赵薇在“中戏”导演班的同学柏邦妮是该片的编剧之一，这个电影虽然也是大片模式，但是至少她的角色充满了未知性，在拍摄此片之前，柏邦妮对赵薇的表演还不太了解。只知道她的表演风格是偏喜剧，偏疯癫的。“她是被周星驰认可的喜剧明星，电影圈的人知道，演好喜剧是多么不容易，尤其是女明星。国外不少喜剧女明星都是天价。”在平时的生活中，赵薇也大大咧咧，她们一起去吃麻辣小龙虾，赵薇沿街坐着，也不做任何掩饰，全没所谓；一起去唱歌，赵薇在包房里大唱自己的歌，服务员都说唱得好像啊，涌进来看，啊，原来是原唱，然后就跑进屋合影。“合过很多次，她也不在乎。”
只有一次，她对赵薇的细腻有所感知：她们一起看奥运会开幕式的时候，被某个镜头感动的赵薇默默走到窗户边，悄声哭泣起来。《花木兰》本来是几个男性编剧，找到柏邦妮，就是为了增加一些人物的细腻色彩，所谓“侠骨柔情”，以女性为主角的商业大片一直很少：“角色的吸引力很大，她肯定希望自己在其中发挥得更好。”赵薇完全放弃了以往的还珠格格式的表演方式，在其中展现了一个女人的成长，而且这成长是面对死亡、残酷的战争和爱人的离开为代价的。“她的表演方式是大开大阖的，释放出来的情感都很强烈。”
香港导演马楚成驾驭战争场面的能力并不强，所以很多战争场面中只能依靠演员的表演。“赵薇在很多场表演中，不哭却有让人肝肠寸断的感觉。”很多演员，在寻求角色突破的时候，是装丑、装深沉，或者表现出疯狂的行径，但是赵薇在这部影片中都没有，她的状态平静、自然，拍摄过程中也不太补妆，那些表演方式她十几年前就已经都用过了。李樯经常给赵薇推荐各种好电影看。“她是个心性聪慧的人，能够从很多地方学到东西。她现在的读物你知道是什么？《史记》。你周围还有谁是认真读《史记》的？”
柏邦妮觉得，赵薇在表演上还是有过迷惘的，但是她的方式是慢慢打开自己，将自己的人生阅历放在表演中。“整个表演越来越厚重了。”很多人觉得这电影不成功，影片内核与古诗的内核完全不一致，但是赵薇却用自己的表演把整个电影撑下来。尤其是最后一幕，她回到家乡，虽然换上了女子装束，却失去了爱人，身边的风景也一片凄凉，她只能靠自己强大的内心走下去。这大概就是赵薇把柔软和坚强混杂在一起的表演方式。赵薇告诉我，演《花木兰》她很注意修正自己。“那么伟大的一个人物，我注意演出的是她身上的责任感，其实很难想象花木兰的生活状态，不过找到这个人就不难演了。”
在大片占据主流的年代，赵薇只能做出这一选择，投身大片潮流：“纯粹的商业电影不是不能演，不要对被动创造出来的角色不屑一顾，但是最好是有好的配合，现在的那种速度很快的商业电影我尽量不接，但是有好的配合的电影，我还是会接，哪怕是个小角色，但是只要能有淋漓尽致的发挥就可以。”
所以有了“画皮”系列。她在第一集中的佩蓉是个与她以往角色不同的女性，非常端庄，有温暖的感觉。李樯说，其实生活中赵薇就有这种感觉。“我生病的时候、情绪不好的时候，她都会拿着咖啡和早餐上门来看我。”可是，电影中是一个古典模式的端庄。“我们看到银幕上她的表现，和生活中不一样，也和以往的表演模式完全不一样。”赵薇接片子基本不和人商量，哪怕和李樯关系这么好，她也不商量。
在市场不理想的时代，她说自己只接有好的表现的角色，“能在瞬间有强烈情感的那种”。准备出演的关锦鹏的《放浪记》里，她和陈冲演两个女艺术家，李樯编剧，是一个亦正亦邪的人物，赵薇非常期待，演起来很有戏剧感。有这种选择标准，她会接受一些商业片的邀请。“现在的电影市场上，好的文艺片比好的商业片还难找。不少文艺片邀请我，想打动我，就说，‘薇姐，你可以一个人演两个角色’。”可是好剧本不是靠这种花哨的小技术可以达到的。
她现在是个特别明白的人，对电影有了自己的判断，所以不会被商业片或者文艺片之类的说辞打动，但是商业片陷阱更多。前面所说的定型问题之外，演员的配合也由电影公司进行分类。赵薇在《画皮1》之后，立刻被设计成了和甄子丹配戏的女明星，接下来就是一部纯商业化的《锦衣卫》，那是一部毫无发挥的影片；之后，赵薇又和陈坤被搭配在了一起，不过赵薇有她自己的解决办法，就是在既定的模式里寻求变化，两人的关系始终是不固定的，表演模式也就自然而然变化了。在《画皮1》中，她突出的温柔、贤惠的一面，在《画皮2》里面，她的表演方式完全变了。“我演的是陈坤的老板。”她开玩笑。这部魔幻色彩很浓的影片中，她、陈坤和周迅等人一开始就觉得这是部卖座的大片，几个人共同选择了一种风格强烈的表演方式来形成影片的风格，但是并不漫画化。用熟悉她的朋友的话来说，她演什么，都把角色当成活生生的人，不愿被定型。
导演赵薇的新尝试
《致青春》的摄影李然和美术李杨说起片场上的赵薇，都有些印象深刻的画面，恰恰不是明星式的，而是相反：熬了几个通宵，“赵大腕”满面油光，瞪着两个眼珠子，看的都不是同一个地方；或者是披着军大衣，头发湿漉漉的，毫无明星样子，在片场，她是一个非常职业化的导演。
李然觉得，赵薇“发狠”了，她发狠把这部电影拍摄成一部不矫饰的“赵薇电影”。她比一般人找投资方便。可是，现在资本的控制很强大，一听说是网络青春小说改编的，开始有人要求赵薇拍摄成台湾小清新片类型，被她否定了；后来又有人想让她拍摄成为《失恋33天》那种风格小品，她也不愿意。虽然她找钱容易，但是她的不屈从的态度也使她失去了很多投资，什么植入式广告那些她基本不考虑。电影整个拍摄了120天，远远超过了投资商规定的50天，剩下的钱，都是赵薇的投入。
“我没那么虚荣，一定说要去做一个导演。”赵薇自己解释。她在潜意识里也没有觉得过导演是一个高于演员的职业。2006年，赵薇回母校读导演系的艺术硕士，最初也就是和她关系很好的本科班主任崔新琴老师的动员。她的考试成绩很好，比分数线高一大截，没有毁掉她“会读书”的好名声。尽管她进校考试都有大堆媒体人马跟随着，记者们也都把她考研究生当成了是转型的一步，可是赵薇自己清楚，她不是一个目标功利的人，回学校读书，按照同学柏邦妮的形容，是提供给赵薇一个“休养生息”的空间，神经也不再那么紧绷。“她热爱电影，也喜欢校园生活，所以很乐意和同学们分享书和碟。”站在校门口，路过的人盯着她看，她也就是稍微低头，不过多掩饰。
按照规定，毕业的时候需要作品。她不想随意拿一部作品混过去，她的选择和目前市场流行类型都不一样：不是古装片，不是搞笑电影，更不是半段子半小品式的青春电影。《致青春》是赵薇和李樯商量的结果，根据流行的一部网络小说改编。“选择此小说，最大原因还是因为青春是每个人的经历，主题不错。不过我们绝对不是翻拍那小说，那样的话就没有拍电影的必要了。我想把当下的自己对逝去的青春的感觉拍进去，李樯说得有意思，是去曾经的战场上凭吊。”赵薇觉得，所有人看到电影都会发现，和当下的流行电影样式完全不同。“不华丽，也不雕饰，更不是一般人们习惯描绘的那种摔个酒瓶子发泄的青春，我希望大家看后都觉得意外。”第一次坐在导演的椅子上，“很奇怪，很熟悉的感觉”。从前她在片场从来没有想到自己有一天会坐在这椅子上，可是真坐上去，立刻就很职业化，忙着看演员们在每一场中的情绪。
建组几个月一直在忙于选角色和定分镜头，8个主要演员一个个地试戏，办公室里还搭造了宿舍的场景，包括明星在内也得试戏，演员赵又廷觉得这是自己演得最累的一部电影，主要是赵薇对演员的情绪有高度的要求。“要求情绪饱满，要他们演出最实在的东西。”演出过程中，当演员们演不到要求的时候，她自己也很难受。“我是演员出身，特别知道演不到位的时候演员内心的痛苦，特别理解他们。”这时候她就会去帮助他们。
李然说，拍那一场朱小北砸超市的戏，演员演了几个小时，到了最后都快崩溃了。那是一场极其需要演员爆发能力的戏，也不知道她悄悄上去和演员说了几句什么，演员都能立即恢复元气，状态就完全不一样了，能表演出需要的情绪来。而且她特别能和演员们打成一片，当她和小演员们一起坐在片场的宿舍场景里面喝酒的时候，她也就是个朴素的女大学生。
赵薇高兴地说：她这么多年的学费不是白交的。她是较劲的人，希望自己能帮助这批演员们使出全部的力气。李然记得她只有一次发脾气，也是因为演员们情绪不对。“那次在片场其实也就是试戏，一场大家在宿舍喝酒的戏，也就是郑微在失去恋人后回到房间，被同宿舍女生安慰的场景，表达的场面很轻松，演员们也就在布景中随便坐下来了，可她进门来一看就生气了。因为她自己内心很强大，她想把青春那种撕裂、痛苦的感觉都放进去，任何轻描淡写的情绪，她都觉得不对。”
李然和李杨之前都拍摄过不少大片。但是他俩都特别不愿意提这些电影，反倒觉得赵薇是在认真地拍电影。他们都是李樯的朋友，被介绍到这个剧组，开始也不了解赵薇，存在一些怀疑，可是刚开始工作就被她征服了。李然说，他刚开始和赵薇谈论就很投合，他们都对流行的青春片的用光表示反对，觉得虚假，像明信片，毫无质感。“她和那么多名导演合作过，判断力很强，准备工作做得异常充分，我们开始做分镜头就做了几个月。”最后定出来的是拍摄出上世纪90年代的大学的氛围，没有任何哗众取宠的东西。用光和构图方面，有质感。“没有模仿任何一部电影，我们参考了几百部电影，最后是我们要的90年代中国的质感。”
再比如一般电影会突出明星的帅，可是李杨为赵又廷设计了一件90年代稍微时髦点的服装，都被她换掉。“她要的是完全的电影，不能出现任何一点异常，那件服装微微有点光鲜，不是她要的朴实感，所以不行，演员完全是为电影服务的。”在之前，他们看了许多90年代的电影和照片。“我们要的那种年代感特别真实，没有一点装饰性。”
因为和赵薇熟悉，所以李樯的剧本很简略，不像《孔雀》那么清晰和复杂，但是赵薇把剧本里有的没有的感觉都拍了出来。“她拍了一堆活人。这也是她最感动我们的地方。”
赵薇自己也是个“活人”。柏邦妮觉得赵薇是个活得明白的人，能够自然而然地和很多东西保持距离。比如时尚，比如奢侈品。“是说她不太用名牌？”“不是那个意思，她拒绝了很多代言，也不太出席各种大牌的场合，而是把心思放在电影里。”
明星和时尚本来是相傍相生的产业，可是赵薇却明白其中的奥妙：“化个大花脸，露着胳膊和腿，参加个时尚活动，对我的吸引力越来越小。明星就是个职业，是个活，要时时刻刻展现美，帮人们实现对某种生活的向往，那个对自己内心太没有帮助了。”她近年越来越少地出席时尚活动，也越来越少和圈内人一起。
李樯不觉得赵薇是一点点变成如此的。“她从小就有良好的家庭教养，心胸开阔，特别能吸收好的东西。我们平时说到某本书中有句什么话好，她当时不提，过了一阵告诉我，说她看了那本书感受如何如何；另一方面，她胸怀开阔，谁得罪了她，若干年后再遇见这个人，她一点都不记得，是真的忘记了――她内心有个过滤系统，只接受好的东西。坏的不往心里去，一点仇都不记。”
这大概是他们都愿意和赵薇做朋友的缘故。柏邦妮觉得，赵薇有底气，从不刻意去做什么，太不像一线女明星了；李樯说得更具体：赵薇就是他身边一个最朴实的女孩，春节去他家吃饭，尽管和李樯的父母亲不太熟悉，可是她还是自己打开冰箱找零食吃；他的父亲生病，赵薇会陪他去河南找个庙宇烧香；他生病了，她就会上门照顾――“她的心性阔大，这些在她心目中，都是最自然而然的事情。”包括她的婚姻也是如此。“她不爱慕虚荣，赵薇一点也不在乎对象的经济实力，或者外在的东西，她有感情就有感情；现在嫁的人，外界传说他是富商，其实也不是，也很普通。她不像大家想象的女明星那样，一定要嫁入豪门，或者是像有的女明星因为自己事业下降，急切找个人嫁了。她没那个必要。就是因为相爱就结婚了，普通得一如周边的人。”
在李樯看来，这种健康的心性是成就赵薇的因素。可是赵薇还总是发现自己的很多小缺点。她说自己是双鱼座，没长性，所以当最亲近的人告诉她，从来没有一个不自制的人可以得到成功――“这话好，快点记下来。”不过晚上吃烤串的时候，她还是情不自禁地多吃了几串。
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电影摄影：大师笔记 黄岳泰:我没有风格
大师笔记 黄岳泰:我没有风格
时间：12月20日
地点：标放
人物：黄岳泰
主题：柯达胶片技术说明会：我没有风格
记录：刘大鹏&
黄岳泰生长于一个电影世家，自小与电影结下不解之缘。其父亲黄捷是五、六十年代香港著名的电影摄影师，曾拍过《如来神掌》、《黄飞鸿》等电影。黄岳泰作为HKSC会长，是香港摄影师&头把交椅&。他自1976年初登影坛以来，荣获摄影奖项共16次之多，更凭电影《宋家王朝》、《不夜城》及《紫雨风暴》，先后获得香港电影金像奖最佳摄影指导奖，而《紫雨风暴》更于1999年获得台湾金马奖最佳摄影奖。他曾与包括吴宇森、林岭东、洪金宝、成龙、袁和平、许鞍华、罗卓瑶及徐克等等导演合作。国际电影制作上，有《刮痧》、《Knock Off》、《Double Vision》及《Highbinders》、《不夜城》等。
黄岳泰亦曾自编自导两部电影，分别是1979年的《发围》及1987年的《皇家师姐之雌雄大盗》。2003年，他为黎妙雪执导的《恋之风景》负责摄影师部份并首次担当监制一职，该片为2003年威尼斯影展参赛作品之一。&&
&&&& 今天黄岳泰来到电影学院为摄影系师生讲述他的创作生涯和经验，包括了他对创作、观察生活的看法。
我谈一下这次优秀的作品，看得出作者在构图上有过自己的思考，控制光比玩得也较为大胆，技术控制上基本稳定。观众去电影院不是买票去看摄影，而是看电影，就是拍人。摄影要给剧情加分才是合格的。
&&&&说说不足，夜景里汽车上面的人脸不够自然，太亮了。要用动态光的话就会好得多。
其实用光的这些灵感在生活中都找得到的，你要能看得到并且运用到技术中才是好。不被人发觉摄影机的存在，你的摄影才是好的。我觉得一个重要的问题就是成功的电影技术是要超越剧本文本的，你拍出来会给观众更多的联想，让他们对角色的处境、心境有更多的理解，那你就成功了。值得注意的是，用光是要戏剧化的，要超越现有的光源，用光的依据是配合剧情来塑造的，希望同学们在这里要多下苦功。
我拍了大概150部电影，我年轻也是个很傻的人。20岁就做摄影师了，头十几年都不懂什么是好的摄影。
记住，导演是这部戏的主宰，拍戏时导演对整体包括画面更应负责：你只是帮他完成、然后让他验收的的人。导演才是第一个进组的人，你是在拍导演的作品，而不是你自己的作品。过度干预创作是摄影师最易犯的错误。
我接受媒体采访时说过，我是没有风格的。我拍过什么风格都有，因为我是摄影师，是在导摄美录演员共同协作下完成的。
70年代没有录像机，我成长过程中。很长时间整天都是在电影院只看一部电影，一天，买个面包、汽水，连续看第一场看完就躲进洗手间，等下场再出来。
我看电影是这样的，先是坐在影院靠银幕近点的地方，投入地看电影，看&戏路&，画面充满整个视野，记住那几场拍的很好的让人很感动的戏；然后坐到后几排，银幕就变成了小框框，这样跳出来一眼就能很容易地看到画面构图、运动；第三就是坐到影院的中间，看&灯路&。理解灯光，就得从影子来判断光，因为光只会走直线，所以就得看影子在哪里：从影子的长短可知灯位的高低；影子的柔和硬可知光源光质，看看灯光的布置。感受一下戏里的Color Language，灯光颜色、美术上的物色。来形成构图。美术上摆东西，这个很关键，因为画面中每个小道具的出现都关系到你的构图。很多摄影师就是弄弄灯，道具什么的，哎，副导演你来搞吧。活到今天我至今最难的，最想突破的就是我一辈子就被这个画框所限制，一辈子都在想怎样用一个构图让观众联想到、&看到&画框外的东西。一个&联想&，这样摄影师才有功力可言啊。一个特写不仅仅是一个特写，还有弦外之音。
&&&&我高中毕业就来做这行了，电影没有学过，摄影，我连照相机都没玩过。就因为感兴趣，才慢慢研究出来的。那时我第一年做摄影，我学摄影时资料都没有中文的，当你面对一句话有十个八个生词的文档，要拼命翻字典记下来。我上学也都没有这么用功。这源于你对那个工作的兴趣。而我父亲是5~60年代著名的摄影师，我没有崇拜他。
&&&&70年代，Arri出了一个IIC手持摄影机，很轻，香港全部废除大台的机器，就废除了现场录音，全变成了后期配音。
&&&&按说我当不了摄影师的，因为我没有做一件事能超过3个礼拜，受不了每天去同一个地方。直到没钱后来要找工作了，父亲就介绍我去专门做装片员、一并打板的。那年李小龙死了，有很多外语片都在香港做。那时整东南亚都没有装片员这个职业的。在西方都是女生做的，我在国外用过不少很好的女摄影掌机啊，助理啊，但是东南亚这边还是不行，女生体力不好。
&&&&要说生活的话，我得感恩自己至今做事都没有为钱而忧虑过。我觉得那个够用就可以。
我最痛苦就是处理一场戏时没有灵感，那样我会躲开人群。我住得比较偏僻，喜欢晚上静静思考（可能因为晚上出生的缘故）。太静了没灵感时，又反而就要扎到人堆里，在香港最热闹的旺角，穿得跟乞丐差不多，我就坐到来来往往的人群中，不出三天，肯定会有ideal的。因为有很多有趣的人，你一看就会想到他所有的出身、背景和缘故，会很受启发。所谓太阳底下无心事，其实创作就是生活，拍什么电影，未来的、时装的、古代的，都是人文。你就去看人，看出个性格来，套到你的人物身上，这样就可以跟导演提议可以怎么怎么做啦，&这个人物很硬朗，光打得硬一点&是对人物心态的描写。我拍片会放开尽量选择不同导演的，因为关键是我读书少，是读剧本长大的，每个导演的人生观世界观爱情观都不一样，每人导戏都是特定的思路。
我不爱分镜头，很多导演会被我吓一跳，他们说，哎呀，我分好的镜头，不用么？后来他们特喜欢和我合作。我觉得事前的分镜头太个人，但有时又必须要给副导演做准备用。不是分镜本不用，而是我要在拍摄现场看到演员时就会有灵感该怎么拍了。
80年代中期以来，一批美国读电影海归的导演（香港新浪潮）开始拍戏，就给香港很大改变，最大就是摄影上的改变，他们要摄影上真实，还带来了美术指导这个概念，那时候徐克、许鞍华们给香港电影带来了新希望。我也很幸运，正好那个年代我离开邵氏公司出来做了就赶上。那时香港的所有电影还打硬光的，从意大利开始流行打柔光，我们就买或者去电影院找欧洲影片来看、来学习。你看斯特拉罗的《巴黎最后的探戈》，多柔和，但你知道胶片ASA才100度！看那电影你可以想象柔光布后面的灯得有多大，数量又多！末代皇帝，紫禁城那个城门一开，金黄色的柔光光线最少要100台24头的灯来做！技术上就得慢慢探讨，所以每一期ASC杂志我都看，学习他们的新思维。台湾每期都出中文版的，多幸福！
我就一直都在学习当中。你们要记住，没有东西是拍过的，每看一个剧本我都就不会想之前我是怎么拍的，《倩女幽魂》旧版是我拍，新版也是我拍，但我不会想我之前怎么拍，不会想现在怎么创新，千万不要想创新两个字，人不需要创新，只要自己投入，做自己最好的东西。只需要做，如果看回放的时候自己都会感动的话，那这条就算过了！要先得过了自己，你抓住这个心情来创作。
在国内，我跟很多制片主任说，尽管把你们的班底介绍过来一起做。我现在住在北京，都成了北京人，一年回不去10天。因为市场太小，香港现在几乎没有超过1千万的投资！必须都是拍合拍片。要发展就一定要移民过来，所以我的普通话你才听得懂嘛。
&&&&&我一直要不停地学习，一场戏先问导演，是请他客观地说个故事，或者请男主角、女主角的心情带出这场戏，或者是实际地把事情交代清楚的&记录式&，这几种方式对分镜的影响很大的也很不同。
50年代开始，比较有影响的香港电影都是跟日本学来的，跟国内不一样，国内则是从苏联学。我20岁当摄影师，幸运的是那时因为练过武，有时拍摄的那套拳我都会打的，所以我拍武术时跟戏跟得紧、跟得好。就被人抢着去拍功夫片、武侠片、功夫片，当然，这三种戏的拍法是不一样的，分镜上都不同的。
81、82年当我一接到文艺片拍时，我才发现我是完全不是一个合格的摄影师，比如当演员坐在...
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