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　　1：如果节奏和基础动作有问题，那么其他方面也不会好到那里去。　　2：任何一个基础动作练习不好，都会导致将来的一系列问题。如手指　　到位不好、不够直立压弦，那么除了演奏把握性会受影响，圆滑音的　　质量也没有保证，然后所有关于圆滑音的装饰音也同样会有问题，左　　手独奏也会变的极难弹奏了。　　3：为一首乐曲确立指法前非常谨慎，指法对弹奏的影响比一般习琴者　　认为的要重要的多。但是一旦确定了指法，那么在以后的练习里一定　　要严格做到，尽快的养成弹奏习惯。　　4：不要随便的否定或接受书上其他演奏者的指法标注，一定要明白一　　个指法的含义以后再接受它或否定它。如有没有声部连接、音乐色彩　　、方便演奏等等的意义。　　5：一个不好的指法常常包含了指法连用，安排指法时候要特别的注意　　。所谓指法连用就是右手的同一指接连的使用（除了p指），所以一定　　要交替使用；左手同样有这个问题：同一弦上的的同一指可以连用，　　但是不同弦之间的一定尽量避免。　　6：每个阶段以至每次的练习都要有清晰的目的，如果练习的是音阶，　　那么可以考虑练习目的是音阶的起伏还是速度或是其他的目的，然后　　再考虑通过什么样的手段练习才能达到这个目的，这样的练习才能算　　是高效率的练习。　　7：如果练习时间不很多，但是又有几个练习类型要练习，那么应该一　　次就集中练习一个类型，下次再集中练习另一个类型，这样的效果要　　好于一次练习好几个不同类型的练习，同样的道理也适用于乐曲的练　　习。　　8：慢速练习对于练习的意义是非常大的，但是要注意在慢速的练习时　　，音乐的乐句呼吸和起伏同样也要做出来，不然到了乐曲正常的速度　　的时候，这些就会因为养成了习惯而做不出来了，而且因为慢速练习　　在练习里占很大的成分，如果不注意音乐表情，将会养成很不好的习　　惯，慢慢的音乐就会失去活力。　　9：在不能准确的完成乐曲的每一乐句的节奏下，先不要做一些自由式　　的处理。任何一个演奏家对某一部分自由处理时，他也可以弹奏那个　　部分的准确节奏，在明白准确节奏的基础上做自由处理，才是有源之　　水。（p.s其实大部分的西方音乐可以做的自由处理并不是象一般琴友　　想象的那么多。）　　10：时常可以见到很多琴友问如何去选择练习曲或乐曲，没错“选择　　什么”是一个重要的问题，但更重要的是“如何弹奏”，就是说用什　　么样的方法来练习或演奏；而最为重要的是“表达什么”，即使有很　　好的乐曲，有很好的技术去操纵它，但是如果忘记了要“表达什么”　　，这样的音乐也是毫无意义的。其实这种情况在器乐演奏相当的常见　　；由于器乐的演奏技巧具有相当的难度，为了完成好一个乐曲，我们　　会对很多技术或处理的细节花费大量的精力和注意力：”谨毫发者失　　仪“，在对细节雕琢中，我们忘记了我们为什么要演奏音乐了、、、　　、、也就是常说的：他在弹奏，但是他不知道他在做什么。所以，任　　何时候我们不要忘记我们弹奏的音乐要表达什么，如果实在无话可说　　，那么还不如保持沉默。
　　练耳教学中和弦听辨的感觉训练　　和弦是由三个或三个以上的音按照一定的音程关系组合而成的。其构成以音程为基础，在音的数量上比音程要多。因此，听辨起　　来比音程更为复杂困难。在练耳课上，不少同学最怕听辨和弦，往往掌握了高音却把握不住低音和中音，或者在和弦性质上混淆大小三和弦　　、增减三和弦等。听辨和弦除了要求有清晰的音高外，还要有明确的色彩感。与音程一样，在听辨和弦之初，首先要牢记各个和弦的结构与　　色彩，然后记住C调内各种代表性和弦的原位和转位的音高感觉。打好了这样的基础后，才能逐步过渡到听辨带变化音级的复杂和弦。　　与音程一样，首先要熟记各个和弦原位和转位的结构，要了解各和弦自身具有的不同的色彩表现。如大三和弦明亮、饱满有力、协和;　　小三和弦柔和、暗淡，稍有些不稳定;减三和弦不协和、不稳定，有点像收缩的感觉;增三和弦不协和、不稳定，有点像“膨胀”的感觉;但　　所有七和弦都不稳定不协和，原位比三和弦多了个七度音程，转位多了个二度音程。其次，心中应该有和弦内几个音的首调音高感，如do　　-mi-sol这三个音的感觉，就是大三和弦。如果是la-do-mi这三个音，那就是小三和弦。一个和弦有好几个音，其中难以听清楚的是低音　　，最易听错的是中音。所以听的时候特别注意低音与中音，听辨了低音后，根据标准音仔细推出它的固调唱名是什么。与此同时，根据色彩　　感分清和弦类型，每一种和弦结构记一个基本和弦的感觉。如大三记住1-3-5，大六记住3-5-i，大四六记住1-4-6，小六记住1-3-6，小四　　六记住3-6-i等。学生掌握了每一种基本和弦的结构和音高色彩后，在听辨与其相同结构而音高不同的和弦时，就可以通过低音与和弦性质　　听辨出和弦的各个音了。　　在练习听辨和弦时，除了感觉的体会外，还可利用对比的方法。即先把原位大三和弦与小三和弦作对比，仔细辨别其不同结构、音变、　　色彩，再把大六与小六作对比，大四六与小四六作对比，听听，唱唱，感知彼此之间的不同。最后把原位和弦与转位和弦大三与大六、大四　　六对比，小三与小六、小四六对比，仔细听辨这三个音的排位及不同效果。　　此外，为了区分同低音不同结构和色彩的和弦，还可以由同一低音向上或向下分别构成三、六、四六、属七和弦等，仔细听辨其细微的　　差别。为了取得更好的学习效果，在把握以上听辨方法后，听辨和弦还可以按照以下学习顺序进行练习：(1)模唱分解和弦;(2)辨别分解和　　弦的性质;(3)模唱柱式和弦;(4)辨别柱式和弦的性质。
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　　如何在业余时间学乐理！　　学习乐理在您下功夫学乐理之前，请确定您能唱准音阶（上行、下行　　），并能打准基本的节拍（四四拍、八六拍啥的）。如果您努力了一　　段，却做不到上述两点，那您的天赋不在这里，又或者您有希望被培　　养成一个很好的听众。　　大家业余学乐理不会很系统，也不必系统。因为研究的多了，也就自　　然融会贯通了。想学好乐理得需要一本参考书，有个叫李重光的人写　　的乐理书很适合业余学习，大家不妨买本看看。弹吉他的人学乐理的　　第一课应该是调弦，调弦的方法一般的吉他教程中都有，但这个基本　　功不一定所有人都掌握了。　　以下说说我自己的乐理学习过程和体会，仅供参考。　　我学乐理是从识谱、视唱开始的，我相信很多人都是这么开始的。我　　的做法是找一本歌本或是民谣吉他教程，把我会唱的歌都用唱名来唱　　。一开始可以一句、一句的走，先唱歌词，在翻过来唱谱。这个练习　　的目的：一是在头脑中建立音程关系的概念，就是逐步熟悉诸如1 3、　　3 6、2 5等各音相距多少；二是熟悉各种音型、节奏型的唱法，比如　　附点、切分等等。　　用唱名能唱十几首歌以后，我就在歌本上找我根本不会唱的歌，直接　　唱谱，然后再填词，也就是视唱。开始你可能老半天也唱不下来一句　　，你得慢慢的来。但要每个音的音高、时值都力求唱准，这个过程需　　要勇气与耐心。　　如果你能做到本帖开头说的那两点，那视唱也是很容易的。比如看到　　谱子上第一个音是1，第二个音是5，你唱完第一个1音后却不能准确唱　　出第二个5音，那你就1、2、3、4、5这样唱音阶找到5，然后唱1、5　　两个音，并不厌其烦唱100遍，1、5两个音的音程关系就印在你的脑子　　里了，以后再遇到这两个音也就很容易唱出来。其他各种音程也是这　　样练习，常见的音程有限，不用多久我就能对一般乐谱进行视唱了。　　但那个把歌翻成唱名来唱的练习也经常会做，唱起来挺有趣的。　　与此同时大家要读读乐理书上的内容（李重光的书都很薄，很好读）　　，作书上的各种练习，这些练习都很容易的。　　会视唱也就有了一个好的开始，之后我的第二台阶是听音记谱。就是　　听到某个没听过的歌时，一边听，一边把它的主旋律的谱子写出来。　　这个过程有点长，我也没想明白自己是怎么过这一关的。我只记得我　　有段时间总在哼哼《同桌的你》这首歌的头两句，想把它翻成谱子来　　唱，但就是感觉不出用的是哪几个音。后来，我有天随便唱了一个谱　　子里边有5 5 5 5 3 4 5这几个音连在一起，我唱了一下就忽然感到　　，这不是《同桌的你》的第一句吗？之后也就迫不及待的马上哼后面　　的乐句，然后把音都用谱子记下来，当时感觉很爽，特有成就感。第　　二天拿着谱子给我一个懂乐理的老师看了下，除了一些记谱错误，音　　都找对了。能听音记谱应该是个较大的跨越，因为这是能即兴伴奏的　　基础。也就是说只有听出歌者唱的是哪些音，并判断出是什么调，才　　能决定用那些和弦伴奏。　　第三个台阶就是结合扒带学习和弦。能听出主旋是什么音之后，我就　　开始试着听伴奏中吉他部分演奏了些什么音，并把他们记下来或用吉　　他演奏出来，也就是扒带。开始当然找简单的曲子扒，比如 《白桦林　　》《同桌的你》啥的，主要是伴奏乐器较单纯，吉他声音较明显。　　自从知道了和弦的含义后，便了解了歌中的伴奏是以和弦为单位组织　　的，我就开始利用扒带研究和弦了，主要是听各种和弦的构成音，感　　受、记忆他们的色彩，并看在原配中该和弦是怎么运用的，能否用其　　他和弦代替等等。和弦是丰富多彩的，七和弦、九和弦、十一和弦、　　各种代理和弦、掺杂了各种经过音的和弦，再结合不同的节奏型和演　　奏技巧，真是变化多端，越玩越爽。　　第四个台阶，就是扒总谱、编曲、指弹。现在很多歌曲伴奏都是由电　　声乐队担任的，基本是四大件：鼓、吉他、贝司、键盘。期间，还穿　　插着很多音效、小打、弦乐、和声等等，能把总谱写出来，真的对你　　的耳朵和乐理素养是个极大的考验。而对我们这些喜欢原声箱琴的人　　来说，就总想着把这些元素尽量用一把吉他表现出来，于是除了扒带　　，接下来就是吉他编曲了。这里就有和弦走向、调弦法，节奏型，和　　弦经过音的使用，音色、力度、速度的安排，前奏、间奏、尾奏的设　　计，拍弦、闷音、敲扳等技巧的运用等等，总的感觉你既是一个指挥　　，又是一个身兼数职的演奏（唱）者，真的很有挑战性。而这些过程　　的实现都需要乐理的支持，基本上还就是那句老话“理论与实践相结　　合”，学了半天乐理还是要用的，亲自编一些东西再回来看理论，体　　会更多。　　在这一台阶我也是刚入门，我想突破的方法只有多听、多做、多动脑　　。听真的很重要，任何音乐都会对你的弹奏有所启发，不断的开阔耳　　界总能使你更有创意；亲自编曲的提高会很大，有很多吉他弹奏上的　　细节只可意会，只有亲自做过才能体会到。
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　　现代和声的常用和弦大汇总！　　一、和弦新论传统和声学把所有的和弦都归为三度关系来解释，并且力求和声进行的完美和规范。但是现代流行音乐特别是爵士音乐的和声已经高度复杂化和自由化，三度叠置虽然仍是和弦构成的基本原则，但已不是重要的解释手段。这年头可以这样说：把几个音合在一起发音就构成和弦。和声的进行是否规范属于次要问题，平行五，八度的错误基本上不予考虑。唯一的准则是：听起来是否舒服，到位。爵士音乐中复杂的加音和弦几乎使你分不清和弦的功能性，布鲁斯和弦同名大小调搅和在一起，莫名其妙的模进进行很难用经典的和声理论来解释。我们现在就进入现代和弦的奇妙世界。　　二、和弦的变化　　关于变化和弦在经典和声学里有复杂的一套理论，这些理论是有实际意义的，在此我采用了一种比较直观的说法，谈一下常用和弦。　　1、主四六和弦（K46和弦）　　这是一个在古典音乐中很常用的和弦，但它在流行音乐中仍然有很重要的作用。它的形式是主和弦的第二转位，以C大调举例就是C/G和弦，即5-1-3和弦。这种和弦的特点是，虽然算是主和弦，但因为它以SOL为根音，所以一点也不稳定，有着极强的向属和弦去的倾向。试验一下，如果一首大调歌曲结束时贝司手不弹DO音而弹SOL音，你肯定会感觉很奇怪，你会觉得这首歌曲根本就没有结束。这充分体现了主四六和弦的不稳定性。因此在编曲时我们可以充分利用这一点，如果有一首歌曲的结尾是C-G7-C（这可是很常用的结尾哦）我们就可以改为C/G-G7-C。由于C/G（主四六和弦）倾向与属和弦G7，而属和弦G7又倾向于主和弦，这样从C/G开始一系列的和弦都顺着它的倾向性行进，音乐就变得流畅了。在古典音乐中，C/G-G7-C的进行是最经典的终止式。　　2、二级六和弦　　二级六和弦是二级和弦的第一转位，在C大调中是Dm/F。它的构成音是FA，LA，RE。大家会发现它与F和弦（四级和弦）只差一个音，前者是FA，LA，RE，后者是FA，LA，DO。所以，二级六和弦实际上可以看成是四级和弦的一个替代品，也就是说某些地方本来用的是四级和弦，现在就可以用二级六和弦代替，C大调中就是用Dm/F代替F和弦。二级六和弦保持了二级和弦柔和的特性，不象四级和弦那么硬，也没有强烈的“飞”起来的感觉，所以如果你想要使1-4级的进行不要那么强硬，但又要保证有1-4级进行的和声效果，你就可以用二级六和弦代替四级和弦。如果大家听过电影《红河谷》的主题曲，它的第二个和弦就是二级六和弦，而这个地方的和弦功能和听上去的感觉实际上是四级的，这就对了！这就是二级六和弦要达到的效果。　　3、大二级和弦　　这实际上是一个离调和弦，不过在这里我不从这个角度去说明问题。大二级和弦就是升高三音的二级和弦，在C大调里是2，#4，6和弦。它的特点就是强烈倾向于属和弦（五级和弦），也就是在C大调里构成D-G的进行。在前面介绍二级和弦时我曾提到二级和弦最重要的用途是置于5级和弦前面，所以我们可以这样认为大二级和弦是增强了小二级和弦向属和弦的倾向性。在C大调中就是用D-G7代替Dm-G7。在歌曲的适当位置使用这种代替手段效果是十分好的。但是要注意，歌曲的旋律音如果是FA（首调）则不能这样代替，因为这会构成与和弦#4的小二度冲突，十分尖锐刺耳。邓丽君的许多歌曲及那个年代的许多歌曲（如《今宵多珍重》）都会在属和弦前使用大二级和弦，大家可以去仔细地分辨一下。另外，和所有的离调和弦一样，大二级和弦也可以扩展成七和弦，C大调里是D7和弦，2，#4，6，1。它的和弦性质和D和弦是一样的，只不过音响更丰富些。　　4、大三级和弦　　这也是一个离调和弦。在C大调里是E和弦，3-#5-7。是由三级和弦Em升高三音形成。它倾向于六级和弦Am.也就是在C大调里构成E-Am的进行。它实际上也是Em到Am进行的强化。和前面一样，我们可以用E-Am代替Em到Am，但仍要注意，如果旋律音是SOL，就不能这样代替，因为SOL会与和弦里的#5冲突。有一首老歌叫《我家在那里》就使用了大三级和弦。有首圣诞歌曲就连续使用了大二级和弦和大三级和弦。另外，和所有的离调和弦一样，大三级和弦也可以扩展成七和弦，C大调里是E7和弦，3-#5-7-2。它的和弦性质和E和弦是一样的。　　5、大六级和弦　　这也是一个离调和弦。而且这是一个很常用的和弦，它的“离调感”十分远，所以能制造出很动听的效果。在C大调中是A或A7和弦（和其他离调和弦一样，它可以扩展成七和弦）它强烈倾向于二级Dm和弦，这样就在C大调中形成A（A7）-Dm的进行。这可是一个非常漂亮的进行，它不仅可以代替Am到Dm的进行，还可以代替其他和弦到Dm的进行。只要你的旋律中带有6，#1，3，5中的任何一个或多个音，你就可以使用这个进行。它是用来强调和声在音乐中作用的最好例子。看一下：　　3 - 4 | 2 - - |这个例子，如果你想在第二小节配置Dm和弦，那么前一小节用什么好呢？Am可以，Em也可以，但它们都不是最好的，试过用A(A7)吗？那将会是一种新鲜的感觉。这种和弦手法在流行音乐中被广泛应用，邓丽君的歌曲《爱的箴言》就使用了该和弦，著名的圣诞歌曲全曲多次使用该和弦。这个和弦十分有色彩，恰当的使用肯定可以使你配置的歌曲和弦及伴奏比原来丰富得多。当然仍旧要注意，不要在旋律音为DO时使用该和弦，因为它会与和弦的#1音冲突。　　6、一级七和弦　　这也是一个离调和弦。一级七和弦在C大调里就是C7和弦，1-3-5-b7,看清楚了，这是一个大小七和弦，是降SI而不是还原SI，在其他调里可不要搞错了。它的用处就是置于四级和弦前面，一级七和弦有强烈的倾向于四级和弦的特性，又由于它本身属于主和弦系列，所以如果我们使用了一级到四级的和弦进行，就可以在这两个和弦当中插入一个一级七和弦，形成C-C7-F的自然进行。有一首英文老歌就使用了该和弦。　　7、小四级和弦　　大调中，四级和弦应当是大三和弦，但有时侯我们也会使用它的降三音形式，就形成了小四级。它的最有效作用是置于四级和主和弦之间，也就是在C大调形成F-Fm-C的进行，小四级当然是一个小三和弦，它的加入会使音乐突然变得忧伤，所以它不但可以置于四级和主和弦之间，而且可以直接加在乐曲中的某个部分。著名的（雪绒花）在最后结尾时，就使用了小四级和弦。很多港台流行歌曲也使用小四级来表现忧伤与失落。　　8、五级增三和弦　　这个和弦不算很常用。它升高原来五级和弦的五音，变成增三和弦。在C大调中是Gaug(G+)，这个和弦的用处是当一个乐句结束在属和弦上时，可以用五级增三和弦来代替五级和弦，增加意尤未尽的气氛，然后音乐稍作停留便又从主和弦开始，这种手段在爵士音乐中有着较多的应用。　　9、降六级和弦　　是一个常用的变化和弦，是大三和弦，在C大调中是bA和弦,b6-1-b3，降LA-DO-降MI。这个和弦看上去离C大调很远，确实如此，因为它只有一个音DO属于C大调自然音阶，嘻嘻，就是这个DO成为降六级最大的应用之处。因为绝大多数大调的歌曲都会结束在主音DO上（首调），我们可以利用降六级含有DO音，把降六级置于主和弦的前面，达到一种特殊的音响。在C大调中，如果本来是G7-C的终止，现在可以用G7-bA-C来替代，这样就能得到这样一种效果：旋律虽然保持是DO，但和弦是降六级-主和弦，非常有色彩。它可以烘托出那种宏伟，壮观的终止，不是属到主简单了事。　　10、降七级和弦　　相比降六级而言，降七级离原调好象近一点。在C大调中，降七级是bB和弦,b7-2-4,降SI-RE-FA，也是大三和弦。它含有RE，FA两个调内音，它可以被较自由地运用在歌曲中间部分，如果旋律中出现了这两个音就有可能使用降七级。在歌曲中如果在本来使用一般和弦的地方改用降七级，会有一种突然转调的感觉，降七级后面可以接1，4，5级和弦，C大调中，C-bB-C,C-bB-F等都是常见的。邓丽君的《千言万语》，TheBeatles乐队的,,都使用了降七级和弦，取得了很好的效果。降七级还有一个用处就是对降六级作进一步扩展，把bA-C扩展为bA-bB-C,也就是在降六级与主和弦之间再插入一个降七级，得到一个连续上行大三和弦的效果，更适合于那些气魄很大，雄壮而有震撼力的终止。　　11、降三级和弦　　这也是一个用得不算太多的变化和弦，在C大调里是bE和弦，b3-5-b7,降MI-SOL-降SI，也是大三和弦。它离C大调也比较远，只有SOL是调内音，因此只有旋律出现SOL时，它才有考虑的可能。它适合在乐曲中起丰富色彩的作用，使用一下以后马上又回原调。这种和弦就一定要用得好，用得到位而不能滥用。有一首著名的英文老歌（《奔放的旋律》--“人鬼情未了”的插曲）后半段就用了一个降三级。　　12、 降二级和弦　　降二级和弦在流行音乐中用得比较少,在爵士乐中倒有一定的使用.经典和声学里给予这个和弦以一个名字,叫"那波里和弦".当然对于我们的应用者来说不一定要了解这么多.这个和弦在C大调里是bD和弦,b2-4-b6,离C大调相当远,在钢琴上听是完全没有关系的,但这样就注定了它是一个极有色彩性的和弦,一般可以用在曲子的结尾,在主和弦的前面,感觉是十分奇特的。
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　　和声学知识——突然转调　　现在古卓音律吉他教室已经开通远程视频教学。如果您想学专业吉他，无论你身在哪里，都能和您面对面沟通教学，欢迎加QQ：交流探讨。　　我们知道减七和弦是三个小三度叠置而成的，以同一个音为低音的减七和弦、减五六和弦、减三四和弦和减二和弦，只是和弦音记谱的不同，在十二平均律里，音响上没有任何区别。可以解决到不同的调：通过减七和弦的这种模糊性，可以进行突然转调，直接转到其它七个调之一。　　通过属和弦或二级和弦的突然转调：　　由于人们对于转调的适应性大大提高，比较突然的转调，在近代的音乐作品里也不显得很怪，这使得作曲家在运用转调方面更大胆，有些时候往往不用中介和弦，突然加入一个和前面不太有关系的属和弦或二级和弦，就一下跳入一个新调。这种方式与其说是转调，不如说是换调。　　色彩性换调：　　我们经常可以看到一些流行音乐作品，在进入高潮后突然换了一个调，中间没有任何过渡，和声色彩为之一变，效果非常好。这种换调常用的调性为，原调的上大二度、上小二度、上小三度、下大三度、纯四、纯五度，上大三度或者下小三度。如果以C大调为原调，分别为D大调、降D大调、降E大调、降A大调、F大调、G大调、E大调或者A大调。在实际运用中究竟采取哪个调，可根据作品的风格，作者的喜好，和乐器和人声的音域决定，没有一定之规，甚至曾四度，即C大调到升F大调也是可以运用的。
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　　熟悉首调的成年人如何较快学会固定调　　熟悉首调唱名法的人，要学习固定调唱名法，最大的障碍在于：一是解决好固定调唱名法如何唱变化音问题;二是克服首调唱名的感觉和习惯。下面简谈以下自己的经验和方法，希望能对有这方面问题的琴友们有一些帮助。　　【现在古卓音律吉他教室已经开通远程视频教学。如果您想学专业吉他，无论你身在哪里，都能和您面对面沟通教学，欢迎加QQ：交流探讨.　　】　　学习固定调唱名法，首先遇到的就是如何唱升降变化音问题，也就是变化音的唱名问题。事实上，多少年来，音乐界一直有人在研究、探讨和试图解决这个问题，这里面包含不少音乐界的重量级人物，解决的方法也不少，在这里就不一一列举了，如果大家有兴趣，可以自己去查找(咱们这个论坛上也有)。　　本人认为：我们这些熟悉首调唱名法的人，解决固定调变化音的唱名问题，应该是只要能够达到尽快学会固定调的目的，方法越简单、越实用、越好，而且要尽可能与大家已经熟悉的首调传统唱名接轨。所以，基于这种想法，本人在实践中摸索了一套方法，叫“半音阶唱名法”。　　简单的说，所谓半音阶唱名法就是以十二平均律为基准，给组成半音阶的十二个音的每个音起个唱名，而实际上就是在do、re、mi、fa、so、la、si七个大家都熟悉的传统基本唱名的基础上，再增加五个半音唱名就行了，关键是唱起来发音要上口，音准容易控制，易学、易记、易练习、易于推广普及，达到快速学会固定调唱名法的目的。　　一、半音阶唱名　　半音阶唱名法的每个音的唱名如下：　　音名：C #C(bD) D #D(bE) E F #F(bG) G #G(bA) A #A(bB) B　　唱名：do dai re mai mi fa ha so sa la ta si　　二、基本特点　　1、简单明了，一目了然，易学易记。　　半音阶唱名法一共十二个唱名，和按十二平均律形成的半音阶的十二个音一一对应，同时也和钢琴等键盘乐器黑白十二个键一一对应，简单明了，易学易记。　　2、发音上口，各音连贯流畅，通过练习完全可以较好地控制音准。　　半音阶唱名法的十二个唱名，其中有七个是大家都非常熟悉的首调传统唱名，其发音早已为广大音乐人所接受和习惯。新增加的五个半音唱名，均经过反复推敲、歌唱感受和小范围推广试用，受试大多数人认为发音合理、明亮上口，连贯流畅，并且大多数人通过练习能较好地控制音准。　　3、与传统唱名接轨，与十二平均律相对应，比较容易理解和接受，便于推广，尤其方便广大有首调唱名法基础的音乐爱好者较快学会固定调唱名法。　　从“1”“2”两条可以看出，半音阶唱名与传统唱名是接轨的，同时与十二平均律也是相符合的，即便对不懂音乐的人，只要告诉他每一个唱名均唯一的对应着钢琴的一个键，他也容易理解和接受，所以非常便于推广普及。尤其对于熟悉首调唱名法的音乐爱好者，半音阶唱名法能为这些人提供一种简单实用的学习固定调的方法，事实上，本人就是用这种方法较快地在首调唱名法的基础上掌握了固定调唱名法的。　　关于如何克服首调唱名的感觉和习惯问题，笔者认为：首先，要充分认识学习固定调的必要性和重要性。我们熟悉首调的人，往往过多的看到首调的长处，比方歌唱性好、调式感强、音准容易把握等，而看不到首调存在很多不足，尤其在乐器演奏方面，可以这么说，有些乐器根本就没法用首调来演奏。事实上应该说首调和固定调各有所长，也各有所短，是互补的。而做为一个音乐人应该、而且必须两者都会才好。其次，应该相信，尽管熟悉首调唱名法的人学习固定调唱名法有一定的困难，但只要解决好唱名问题，通过认真练习，是完全能够学会和掌握固定调，也能够唱准音和唱出调式感的。第三，根据本人的经验，熟悉首调的人，要想较快学会和掌握固定调，第一步要用半音阶唱名反复练唱半音阶(这一步很重要、是基础)，当然最好是跟钢琴练唱(下同)，以便把每一个半音唱准。通过一段练习逐渐就会发现用半音阶唱名唱准半音阶实际上并不困难，并且还能够逐步形成绝对音高概念。第二步则要进行各种大小调音阶和琶音的练唱，当然应该本着先易后难的原则，从一个升号和一个降号的调开始，这和练小提琴的道理是一样的，在练唱时，必须改变首调唱名法主音唱do的习惯，逐步养成可以随意将半音阶中任何一个音做主音的感觉和培养唱准任意大小调式音阶的能力，而这个过程对熟悉首调的人往往是最别扭的。第三步就是进行各种随意音程的练唱和视唱各种调式简单的歌曲和乐曲，这是一个巩固提高的过程，最好从一些自己熟悉的歌曲开始，权且就把固定调唱名当成歌词去唱，反复唱，多变几个调唱，逐渐就会熟悉和掌握固定调唱名法。
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　　古典吉他音阶怎么学习？　　【现在古卓音律吉他教室已经开通远程视频教学。如果您想学专业吉他，无论你身在哪里，都能和您面对面沟通教学，欢迎加QQ：交流探讨。　　】　　首先我们先来复习一下音阶　　音阶：一群高低不同的乐音，依照法则，阶梯似的排列起来，称之音阶。近代通行的音阶分为两大类别，一种为自然音阶，一种为半音阶。　　自然音阶：分为两种，一种为大音阶，一种为小音阶。　　大音阶由五个全音和两个半音构成，半音的位置一个在第三四音之间，另一个在七八音之间。　　小音阶又分三种形式，半音位置一个在第二与第三之间，一个在第五与第六之间者，称之为自然小调音阶。半音位置，上行时一个在第二与第三音之间，一个第七与第八音之间，下行时一个在第二与第三之间，一个在第五与第六之间者，称之为旋律小调音阶。半音位置一个在第二与第三音之间一个在第七与第八之间，同时第六与第七音之间为曾二度音程者，称为和声小调音阶。　　自然音阶的第一音称为主音，其他各音以主音为中心而定名。主音上方第五音称为属音，主音下方第五音称为下属音，主音上方第三音称中音，主音下方第三音称下中音，主音上方第二音称上主音，又称第二属音，主音下方第二音称导音。　　半音音阶：由十二个距离完全相等的半音构成。记谱法则分为两种，一种称为和声半音记谱法，一种称为任意半音记谱法，前者上下行相同，后者上下行不同。　　此外，还有古希腊的四声音阶，中国、日本、苏格兰的五声音阶，教会音阶，全音音阶等等。　　然后我们必须了解音阶练习的作用：　　1.大多数音阶，左右手8个手指都用的上，练习音阶可以训练手指平衡能力，还对左右手协调能力训练作用极大。　　2.音阶练习可以熟悉指板音位，全部音阶由24个大小调式组成，而我们接触最多的欧洲音乐，几乎全部属于这些调式，熟悉了音阶，也就大体上熟悉了这些调式。　　3.在音阶练习中加入不同的节奏、重音、并力度，并使用所有能够想象的到的右指组合，（有些老师学生使用im、ia、ma、pi、pm、pa、ich、 mch、ach、ami、ima、mia、mai、pima、pami等等凡能够想的到的组合来练习，有的组合可能缺乏实用性，比如ch指加入的组合，但对训练右指作用极大）会发现音阶练习真的很博大。　　也有人提出，经过训练 ch 指后，a 指难以控制自如的难题似乎迎刃而解。其实练习手指无非是练习大脑对手指的控制能力，手指、耳朵接受并反馈信息，经神经传输，大脑分析判断、发出指令，神经再传输回去。控制能力的训练是全面的，不应当因为 ch 指用的少就不练习。　　而音阶练习的基本要领有以下这些：　　1.手指垂直起落，抬起时的高度不可过高，以一厘米左右为宜。　　2.为了连贯，下一指按实前，前一指不能抬起。　　3.左手始终保持恰当的弧度，不能因为换弦而动作走形。　　4.左指尽量垂直与指板，以指尖按弦，　　5.发力以按实琴弦为准，不能太大。左指动作要连贯、柔和、自然。　　6.速度不能求快，应以能够清晰、连贯、均匀地演奏为准，逐步提高。　　7.高把位注意声音控制，不能“虚”，右指适当加力。　　8.最低音和最高音最好强调一下。　　9.右手各指一定要独立完成每个拨弦动作，不能“顺势”带过去，注意想邻的音音色要统一，力度也要统一。　　10.最好加上不同的节拍、力度练习。　　练习的时候会经常出现以下的情况：　　1.做不连贯，象弹顿音。　　2.颗粒感差，含混不清。　　3.音色、力度不匀、缺乏统一性。　　4.右指各指没有独立的拨弦动作，有时是一个手指带出了另一个手指。　　5.左手指移动时多余动作过多。　　6.只强调速度，忽视声音质量。　　7.在四五六弦左指不能作到直起直落，杂音太多。　　8.缺乏音乐性，表情干巴麻木。　　所以还是要多多练习。以下是二十四种指法组合表 ：　　24 32　　14 31　　14 21　　13 21　　练习方法:　　四个手指所有可能的组合性练习，该练习可在较短时间内提高手指的灵活性与协调性。表中：1代表食指、2代表中指、3代表无名指、4代表小指。练习时每个手指按一个品格，从六弦至一弦依次或跨弦弹奏，每种组合弹奏6次。弹奏速度应随熟练程度逐渐加快，对不熟练的指法组合可重点练习。在1到4品弹奏，可训练手指的扩展；在9到12品弹奏，可训练双手配合与弹奏速度。另外，也可以按照序列号逐个练习，每天训练半个小时为宜。关健是要持之以恒。　　这种练习就像民谣的爬格子，所以非常有必要，而且很实用，是初学者练习手指灵活性的一个好方法。这个是最基本的指法练习，还有跨品位练习综合性组合练习等，那是提高阶段做的事了，这关过了，以后你练习琴就能起到事半功倍的效果！加油吧！
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　　作曲基本理论　　【现在古卓音律吉他教室已经开通远程视频教学。如果您想学专业吉他，无论你身在哪里，都能和您面对面沟通教学，欢迎加QQ：交流探讨。　　】　　音乐理论说到底就是作曲理论。但因过于专业化而不易普及。这里仅就重要内容加以简介以为自学者提供方便。　　一．和声学　　和声学是研究多个音共同发声的效果，规律的学问。若将旋律比作“骨”则和声就是“肉”，只有有了和声，音响才变得丰满、协和、动听。和声学地位非常重要，可谓是一切音乐理论的基础，许多音乐大师都对和声学作出过杰出的供献。但和声学内容浩繁、规则很多，不易学好。中篇小说《你别无选择》(刘索拉著，“新时期争鸣作品”)中的那个教授自称学了八年还没学好，可见难度之大。但掌握和声学基本常识得益最大，值得一试。这里简单介绍一些重要的基本概念和术语。　　㈠　三和弦　　由根音与上方三度音及上方五度音叠合而成的和弦叫“三和弦”。三和弦是构成和弦功能的最基本的和弦，用得最多。按结构分，三和弦有“大三和弦”、“小三和弦”和“减三和弦”(只有一个)。按功能则可分为“主和弦”(主音为根音的三和弦)、“属和弦”(属音的三和弦)和“下属和弦”(下属音的三和弦)。此外，每个三和弦又有两个转位和弦。主、属、下属这三个和弦称作“正三和弦”，其余的四个叫作“副三和弦”。这四个副三和弦又分属“属功能”组和“下属功能”组。现将自然音阶的七个音所构成的所有原位三和弦分列如下：　　根音　 功能　 种类 符号　　1 　主和弦　 大三 T　(或Ⅰ)　　2 二级和弦(下属类) 小三 SⅡ　　3 三级和弦(属类) 小三 DⅢ　　4 下属和弦 大三 S　(或Ⅳ)　　5 属和弦 大三 D　(或Ⅴ)　　6 六级和弦(下属类) 小三 SⅥ　　7 七级和弦(属类) 减三 DⅦ　　除了DⅦ这个减三和弦外，其余六个三和弦都是协和和弦。　　㈡　七和弦，九和弦，变和弦　　三和弦上再叠加一个三度音(根音的七音)形成的和弦叫作七和弦。七和弦是不协和和弦。最常用的七和弦是“属七和弦”(属和弦形成的七和弦)。重属和弦、减七和弦也时常碰到。若在七和弦上再加上一个三度音(即根音的九音)即为九和弦。九和弦也都是不协和和弦。若和弦中除根音外的某个音不按原规律而变换成另一个音，这样的和弦叫“变和弦”。九和弦与变和弦的功能色彩比较特殊且不易把握，故应用较少；简单作品中基本不出现。　　㈢　和声声部　　和声一般由“高音”、“中音”、“次中音”和“低音”这四个声部构成。在写和声的谱表里高音部处于最上方，低音部在最下方，中音、次中音部在当中。故常把高音部和低音部这两个声部统称为“外声部”，而中音和次中音声部则叫作“内声部”。高音部一般是主旋律声部；两个内声部主要是配置和声，也常被称作“填充声部”。和声在进行、连接中，内声部要求充实平稳，声部间不许交插。低音部始终是和声中的最低音，决定着根音，故它不仅起着基础作用，而且领导着和声的走向，其作用十分重要。　　“四部和声”的写作是作曲的重要技能之一，作品不论大小，均应以此为起点(主旋律确定之后，即着手和声写作)。配器使和声织体具体化。(由于不同的乐器分属不同的声部，故总谱可按和声声部写，也可按乐器分组写：如弦乐声部、铜管乐声部、木管乐声部…)不同作曲家的和声风格往々各异：或富丽堂皇，或雄浑宽厚，或清澈透明。如瓦格纳的作品即以华丽著称。　　㈣　和声的进行、连接、“解决”　　和声在乐曲进程中要不断地转换、变化、中止；各声部也要为此恰当地过渡，连接。因此这是写和声的基本功。和声进行的基本特点是由“稳定”到“不稳定”再到“稳定”；由“协和”到“不协和”再到“协和”的交替循环。其功能进行的图式为：T-S-T，T-D-T　或T-S-D-T。小说《你别无选择》中多次提到的所谓“功能圈”就是这个意思。该小说中还提到“解决”这个术语。这是指不协和和弦(如七和弦)在进行，连接中向协和和弦转换的方式，其基本法则是将各声部的音向各自最靠近的协和音过渡，如　7→1；4→3，等；而协和音保持不变。　　㈤　关于和声的“力度”　　《你别无选择》中的那个叫森森的高材生热衷于模仿贝多芬，但由于贝多芬“力度盖世”而使得他成天在钢琴上乱砸以寻求“力度”。他的一句口头禅是“妈的，力度！”通常力度是指音响强度，用意文表示，如“p”代表“弱”，“f”代表“强”，“sf”为“特强”等等。但这里的力度则是另一个概念，否则用脚踩钢琴那“力度”一定超过贝多芬。小说中的“力度”主要指音响效果的力度，即和声的力度。和声的力度大概与和弦中包含的泛音系列的谐振频谱有关。因此也就与声部的数量及音程距离有关。一般说来，小三和弦的力度不如大三和弦；单音程的力度不及复音程(超过八度的音程)的力度；协和和弦的力度不如不协和和弦(减和弦除外)。所以森森才“在九和弦再叠加一个七和弦”。　　如何学习和声学　　(1)．充分理解基本概念，不必死记规则。和声学规则虽多但限制却少。况且记住这些“禁条”就不会犯大错，因此应先记“禁忌”。　　(2)．坚持做习题。音乐不同于数理化，它无绝对的标准，习题也非一种答案。只有多做多练才会记牢，提高。　　(3)．多听名曲。这实际上是最有效的手段。初学者可多听简单，好懂又好听的曲子。　　二．曲式学　　曲式是指乐曲的结构形式。有“单段体”、“两段体”、“三段体”、“变奏曲式”“奏鸣曲式”及“回旋曲式”等。各主题乐段用“A，B，…”表示。如“两段体”的曲式图式是“　AB　”；“三段体”的图式是“　ABA’”，第三段　A’与第一段基本相同。儿童歌曲多为两段体甚至一段体；通俗歌曲多是三段式。而“圆 舞曲”则常采用回旋曲式。　　三．复　调　　“复调”是相对于“主调”而言。如果只有一个声部担任主题旋律，其它声部仅起衬托作用，这样的音乐叫主调音乐。如果旋律声部不只一个，且各声部横向上彼此具有独立性，纵向上构成和声关系，形成和协的有机整体，则这样的音乐叫作“复调音乐”。复调音乐中，各声部的旋律依主次关系被称作“主旋律”、“副旋律”。主旋律只有一个。复调是重要的作曲技法，应用甚广，其理论基础是和声学。“赋格”是复调曲式之一，巴赫将其技巧发展成熟。　　四．对位法　　对位是“复调音乐”写作技法之一。它以和声学为理论基础，使各声部既协和又相对独立。如重声合唱(三重唱，四重唱)就是用对位法写的。对位法又有“严格对位”和“模仿对位”之分。俄、德音乐理论家推崇、恪守严格对位。　　五．旋　律　　旋律就是曲调。它是一乐曲区别于它乐曲的根本特征，好似建筑物的风格和韵律。“音素”构成“动机”，动机进一步发展成主题从而形成旋律。具体说来，一定的“音型”、“节奏型”按特定的节奏节拍规律组合形成旋律。旋律具有视觉性：它体现在旋律线(符头的连线)上。早期有些音乐家追求“旋律线的优美”，认为好的旋律视觉上也应是美的。旋律的创作一靠天才二靠灵感三靠实践。旋律写作的技巧性是很强的，其发展手法多种多样，最为丰富。常用的发展手法有：重复，模进，模仿，紧缩，扩展，变化，对比，变奏等。多数概念的讲解要通过板示和视听。　　六．配　器　　配器法是管弦乐的写作技法，故又称为“管弦乐法”或“乐器法”。但对于一切乐队的演奏乃至于通俗歌曲的伴奏都离不开配器的运用，因此学一点配器知识很有实用价值。　　学习配器法是要解决如下问题：　　各种乐器的发声原理，音色，音量及演奏法等　　各种乐器间音量上的匹配关系　　正确地选用乐器以求正确地表现作品的主题及风格　　现假设一个例子：我写了一部小提琴协奏曲。但小提琴手拿到谱子后来找我说：没法拉。我坚信写作没有问题：旋律优美、和声丰满。问题在哪？可能有三。一是分谱的音域不对，上限或下限超出小提琴的音域范围。二是我把三和弦写成三个音，而小提琴最多只能同时拉出两个音，琴手当然没法拉。三是和弦音程过大：如一个音在G弦(四弦)上，而另一个则跑到了A弦(二弦)上。当中隔着一根弦，你让他(她)怎么拉？！　再如，一个乡镇企业发了以后买了一堆洋乐，组成了乐团，排演了节目，遂请专家光临指导。可指挥看后大摇其头，表示爱莫能助。原因是⑴乐器数量不匹配，有些超过大型乐团；⑵不讲配器，搞大齐奏，这是专业乐手也难以办到的。　　以上两例失败原因盖出于不懂配器常识。此外，在通俗歌曲伴奏中，若不适当运用配器法也可出现一些问题，如“杂乱无章”，“喧宾夺主”之类。但电声乐器的发音、音色、功能特点及演奏技巧等都与传统乐器迥异，自成体系，故传统配器法基本不适合于纯电声乐队。
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　　如何成为更好的吉他手　　我们来看看怎么进一步成为更好的吉他手。　　1. 练习时前面放块镜子，对照镜子看自己的身体、手臂和手指。仔细体会并发现自己身上、手上是否有肌肉紧张、不顺畅的地方。确保你的坐姿和持琴的姿势没有给你带来任何不舒服。（论姿势的重要性，哈哈！）　　2. 争取让错误只出现一次。在练琴的过程中出错是难免的，但不要盲目地重复你所弹错的地方，先停下来思考一下导致错误的原因，发现它并改进它，让你的手按你的意志弹出正确的结果。把每一个错误都看成是一次学习的机会，找原因并改进。　　3. 追究每一个错误的细节，在头脑中清楚明确地知道发生了什么。是哪个音少弹了或没弹准？应该用哪个手指去按弦？在按弦之前手指应该停留在哪个位置，作什么准备？　　4. 每天都坚持给自己的弹奏录音。仔细听自己的弹奏，从中找出你最不满意的部分，想想如何能把它弹得更好。　　5. 尽量多在他人面前演奏。每一次都要清楚地意识到自己的感觉如何，弹奏如何，身体上是否有紧张感？情感上是否投入了？在心理上是紧张、焦虑，还是感到了演奏音乐的快乐？这些分析有助于你了解自己，看在哪些地方需要提高，成为一个成熟的演奏者。　　6. 将你的手指看作是不同的人，你可以假想它们有自己的名字，他们在一起是一个乐队，互相配合。每当你用一个手指按弦时，你要想象自己就是那个手指人。这种想象可以让你在弹奏中更细腻地体验手指的感觉。缺乏对手指的感觉是引起各种演奏上技术难度的根源。　　7. 在你的面前除了曲谱之外，还要放着一个记录本，每当你发现了自己的弱点，或最需要改进的地方，或需要加强练习的地方，都要把它们写下来，还要再写出你决定如何改进。把它经常放在你面前，或打印出来钉在某个地方让自己能经常看到。经过这种反复的提醒，在下一次练习时你会下意识地注意。　　8. 在每一次移动手指时，要思考你的下一个动作。　　9. 每当你练习的时候，要注意你的全身（整体观）。　　10. 使用节拍器，把它当作你提高技术不可缺的工具。弹奏速度是慢慢建立起来的，比如，先从60BPM开始，一个音弹奏4拍（这是一个慢得很痛苦的速度），在这个速度上发现自己手指和身体的肌肉紧张感，放松并消除紧张感。然后到80BPM，100BPM。回过头来再重新用60BPM这次一个音弹奏2拍，接着再上到80BPM，100BPM。按照这样的循环再练习一个音1拍，1/8音符，最后是1/16音符，慢慢再由100BPM上升到你能达到的极限。
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　　学习吉他的一些建议　　现在古卓音律吉他教室已经开通远程视频教学。如果您想学专业吉他，无论你身在哪里，都能和您面对面沟通教学，欢迎加QQ：交流探讨。　　一、明确健康的学习目的　　吉他是一种怎样的乐器呢？她既能伴奏、又能独奏，更能在电声乐队中充当主角；既能表现高雅的古典音乐、又能演绎浪漫自由的现代作品。最让现代人钟情的是吉他是一种价格适中、便于携带、适应性极强的乐器。相对于钢琴、小提琴等乐器，价格要便宜得多，同时您可以随时带着她在任何地方演奏。无论是在家中、野外;无论是在白天还是黑夜；无论是在学校还是在音乐厅，我们都能看到她美丽的身影。无论是性格粗犷的男子汉，还是温柔多情的少女，都可以用她来抒发自己的情感。　　面对这么美妙的乐器，我们也许是倾倒于吉他的美丽音色;也许是想陶冶一下自己的性情；也许是为了博得他人的好感；也许觉得是一个升学的途径；也许觉得是一种就业的道路......但如果仅仅是为了经济利益，那还是选择去做那些更容易赚钱的事吧；如果觉得文化课不太好，仅仅为了升学，请务必慎重思考了；如果想成名成家，要看看自己是否有这方面的天赋、能否耐得住各种考验吧！我觉得，无论出于什么考虑，都要基于对生活、对音乐的爱！这样我们就不会因为吉他不能为自己带来更多的利益而放弃她；也不会因为不能圆自己演奏家的梦而将吉他束之高阁！学习吉他，我们会觉得音乐是美好的、生活是快乐的，这不是很好吗？让吉他像最亲密的朋友一样永远和我们在一起吧！　　二、 确立正确的学习态度　　态度决定一切。要知道吉他像钢琴、小提琴一样，是一件需要花很大精力来学习的乐器。学习态度决定了您能走多远、走多深。不管是专业还是业余学习，如果您只是抱着随便玩玩的态度学习，您会既没有专业，也玩不起来，您永远不会拥有吉他。不要学习好龙的叶公，只是嘴里说着热爱吉他，却不愿多花一些时间真正和吉他相处，甚至连乐谱都不愿意仔细认真地阅读！请怀着热爱和尊重的态度对待吉他，轻轻地把吉他抱在怀里，好好地爱护吉他吧！无论什么时候都要牢记：一分耕耘、一分收获！　　三、 寻找合适的老师　　完全靠自学是很难学好吉他的。老师像一座灯塔指引着您走向正确的道路。特别是初学者，没有老师的指导会走很多弯路。　　而有些资深爱好者，由于没有进行过系统和科学的学习,瓶颈会越来越多，以至于感到非常茫然。会演奏2首曲目和会演奏100首乐曲有什么本质区别呢？因此逐渐有走不下去的感觉。　　如果您花了大量的时间和精力后发觉自己对吉他几乎是一无所知，是多么糟糕啊。因此花一些时间和精力去寻找一位合适的老师吧！　　但是，随便找一个老师学习也是很危险的事，鱼龙混杂的吉他教师队伍需要您认真选择。老师不一定很有名，但一定是个具有一定专业水平和具有高度责任感的人。在您的周围或者网络上，请认真选择适合您的老师！　　四、 树立良好的学习方法和理念　　1、 培养良好的手指机能　　吉他手良好的手指机能，就像舞者柔软的身姿、魔术师灵活的手指一样重要。因此，每天不要马上练习乐曲，应该从手指的力度、速度、准确度、柔韧性、扩张能力、独立能力和平衡能力等机能训练开始。　　良好的手指机能是吉他手表现音乐的生理基础。一双有力、柔软且具有平衡控制能力的手是一双令人愉快的手。吉他手的一生应该是不断提高和巩固良好的手指机能的一生。也许您的练习时间很少,但每天5分钟这样的时间应该能抽出来吧！因此，不要惧怕训练的枯燥，为了您心中的音乐，难道不值得花点时间好好提高您的手指机能吗?　　2、 提高练习的效率　　有人一天练习5小时、有人每天只练习2小时、有人甚至恨不得24小时都在练习，但很遗憾，练习效果与练习时间并不完全成正比。　　原因在哪呢？还是问问自己吧：我是用脑练习吗？我的每次练习都是有目的的吗？我达到自己的目的了吗？哪怕每天只有20分钟的练习时间，只要您练习时带着明确的目标，开动您的大脑，进步将会伴随着您的一生！　　因此，杜绝盲目练习，怎样练习比练习什么更重要!　　3、 用音乐带动技巧　　常常会听到有人说：某某的音乐很好，但技巧很糟糕；某某的技巧高超而音乐性不好。我想，这是把音乐和技巧割裂开了。　　音乐和技巧是不可分割的一个整体，技巧是音乐的外在形式，您可以看到技巧的存在，而音乐您既看不见也摸不着，但可以感受到。如果没有技巧，音乐还会存在吗？如果没有音乐，技巧是什么呢？因此，首先要理解音乐，好好地磨练您的技术(技术不等于技巧)，然后用合适的方法表达出来。否则，您的所谓音乐只是支离破碎的音符堆积，您的所谓技巧不过是手指的杂耍而已。　　4、 提高对作品的分析和理解能力　　面对摆在您面前的曲谱，您是急不可耐地就开始练习吗？您可能把曲谱的每个音符都弹对了，克服了所谓的难点，在老师和节拍器的指引下终于练“成熟了”，然后再参照别人(包括大师)的演奏，最后形成了自己的“演绎”，呵呵，终于“成功了”！　　其实您应该问问自己：理解这部作品吗？作者是怎样实现自己的意图的？您做到了吗？一条上行音阶为什么不是渐强反而要渐弱？明明曲谱上写得是3/4拍，怎么大师的演奏却像2/4拍？演奏巴赫的《恰空》时，知道主题的和声序进是由哪些和弦组成的吗？节奏律动又是什么呢？　　如果您不知道，那么在演奏中您在想什么呢？要想解决这些问题，还是老老实实地对作品进行认真分析吧！只有细致地分析才能真正理解作品，才能知道什么是合理的演奏，什么是表面华丽，实际上却是歪曲作品的演奏；才能对作品进行合理的演绎，而不是盲人骑瞎马似的盲目诠释和模仿。　　5、 提高音乐素养　　培养良好的音乐素养是我们学习音乐的主要目的之一，而分析能力、理解能力及演奏能力的提高更是要依赖于音乐素养的提高。　　诚然，对于吉他演奏者来说，科学的发声方法、音乐基础理论、和声学、曲式学、音乐史、音乐分析等等对提高音乐素养起着很重要的作用，但有了这些东西就够了吗？　　更重要的是要在老师的指导下，把这些知识运用到实际作品中，在实践中真正掌握、领会并运用这些理论知识，否则您花大量时间及金钱学习的这些知识有什么用呢！可能只能用来炫耀或应付考试了!　　6、加强琴外功夫　　有句名言叫“功夫在琴外”，意思是指不仅要认真钻研本专业，还应该跳出这个圈圈，扩展自己的思路，从其他事物中吸收更多的营养来全面充实自己。　　比如科学大师爱因斯坦和钱学森不仅在本专业上取得了伟大的成绩，还都非常热爱音乐，具有较高的音乐素养。这不仅调剂了科学家的生活，更让科学家能够从不同角度来思考科学问题，获得常人不可能有的体验，对科学家的发明创造起到了积极作用。日本吉他演奏家山下和仁在上大学时，并没有选择音乐作为自己的专业，而是有意识地选择学习了电机专业。　　作为一名普通爱好者，过于埋头于音乐也是有害的，应该多方面培养自己，可以从历史、美术、建筑甚至天文地理上广泛吸取营养。可能您的手指不是很灵活，但您对作品的演绎可能比那些手指如飞的所谓“天才”更有内涵，也会得到真正的快乐!　　我们热爱吉他是因为热爱生活，吉他只是我们生活的一部分，对生活的态度也就是对吉他的态度，反之，对吉他的态度也必然反映到对生活的态度中来。　　试想，一个连他人都不愿意尊重的人，他会真正热爱吉他吗？一个在生活中狂妄自大的人，对吉他会有怎样的态度呢？一个得到别人的帮助，却连谢谢都懒得说的人；一个口口声声向别人请教却不愿意认真倾听自己或学生的演奏的人；一个参加大师班却连演奏乐谱都不愿意带的人，会真正热爱吉他、热爱音乐吗？　　对这些人来说，吉他可能不过仅仅是赚钱或炫耀的工具而已!因此，为了这个美好的世界、为了我们心中的吉他，请审视和调整我们对生活、对音乐、对吉他的态度吧！让吉他伴随着我们，直到永远!　　如果你喜欢这篇文章，请点击右上角分享到朋友圈，与更多朋友一起享受音乐的无穷乐趣！！
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　　大师们的练琴秘籍 （附：音乐大师作息时间表）　　【现在古卓音律吉他教室已经开通远程视频教学。如果您想学专业吉他，无论你身在哪里，都能和您面对面沟通教学，欢迎加QQ：交流探讨。　　】　　站长导读　　站在巨人的肩膀上，可以让我们看得更远，进步更快。　　今天提供一些大演奏家的练习方法。这些练习方法，都是演奏家们接受访问时，被问到“你怎样练琴？”时的答复，或者演奏家有练琴的著作，或短文中摘录出来的。让广大音乐爱好者们了解大演奏家的练习方法，也许我们无法全部模仿，也不能，不应模仿----缺少像他们的天份与机缘，或者说方法因人而异。但是可从他们的经验吸取一些观念，整理出一条属于自己的练习方式。 -　　而且，我也会就每一位演奏家的生平简略的做些介绍。 -　　正文如下　　鲁道夫·塞金（Rudolf Serkin1903~） -　　塞金是当今五大钢琴家之一（纽约时报所选），他的演奏形态端正而感情细腻，他的演奏给人的感觉是内在的充实感而不是华丽，他的拿手曲目是莫杂特、贝多芬及德奥浪漫派的作品。从他的演奏中可感觉出他的热情洋溢，技巧纯熟，动作相当夸张，音乐在嘴边不停的哼唱，他虽然是钢琴大师，但限于他的触键房是很少改变，所以他不属于技巧与风格灿烂的演奏家，他的最大特点是对音乐能进行深入的探讨，然后展现出明朗的建筑性。 -　　1、如何练习： -　　①、每天都需长时间练习，练过5小时候才进入状况。 -　　②、用慢速及快速练，不用中速练，但加上表情。㈠ -　　③、练习曲用Moscheles、Hummel、Thalberg、Liszt等，很少用Czerny. -　　④、强调技巧的重要性，没有技巧，既没有音乐。　　2、是否作基本技巧练习： -　　强调音阶、琶音等基本技巧练习，但不用哈农。　　3、如何背谱： -　　①、指法的记忆，是危险而不可信赖的。 -　　②、我靠不知不觉地回忆记谱。 -　　③、也用分析。 -　　④、我无法想象一句一句背，谱子一直跟着我，甚至使我无法睡觉。 -　　威廉·巴克豪斯（Wilhelm Backhaus）　　巴克豪斯生于德国的莱比锡真是德国的文化与音乐中心，巴克豪斯自幼即师从艾洛斯、烈根德弗，1891年进入莱比锡音乐院，毕业后移居法兰克福，虽当时有名的钢琴家兼作曲家的德尔贝特（D·Albert）学习。德尔贝特教他最拿手的“贝多芬作品诠释”。1900年，巴克豪斯初次在伦敦登台，一鸣惊人。他除了21岁时应聘为英国曼彻斯特音乐院教授及1907年23岁在仲德斯豪音乐院任教，但时间很短，自始至终他都已演奏家的身份活跃于舞台上。 -　　1、如何练习： -　　①、强调音阶、琶音及巴赫，这是他的技巧基础，75岁时，每天连半小时以上的音阶琶音。　　②、不能以复杂的技巧就认为是难曲，即使最简单的莫扎特乐曲，要做到完美也是困难的。　　③、不要只练那些几分钟就能弹出的音群，优美旋律的曲子，这对演奏家是危险的。　　2、是否作基本技巧练习： -　　一生都在练音乐、琶音，但都加上表情。-　　华尔特·纪瑟金（Watter Gieseking）　　纪瑟金出生于法国的里昂，四岁开始弹钢琴，据说他在6岁的时候在法国贵妇人面前弹奏舒曼的幻想曲作品17号。8岁写了奏鸣曲作品二一起其他曲子。10岁进入德国汉诺威的市立音乐学校，接受卡尔·赖玛（K·Lei-mer）,这是他一生中唯一的老师。他初次正式登台是在20岁，而且一鸣惊人，3个月内在汉诺威廉著演奏六场贝多芬的全部奏鸣曲。 -　　1、如何练琴： -　　①、强调寻求人走路时最自然的姿势弹奏。 -　　②、练习要求绝对正确，即使ppp,或pp都要清楚区分。 -　　③、注重耳朵训练、注意听自己的演奏，要以批判别人的态度来听自己的。 -　　④、音节练习要求以快速弹奏，ppp的音量。　　2、是否作基本技巧练习： -　　要练习音阶、琶音能从ppp~fff间弹出各种等级的音量，还要用ppp和最快的速度弹音阶、琶音。　　3、如何背谱： -　　可以不用琴练习，就可以背谱。 -　　亚图·史纳伯（Artur Schnabel） -　　史纳伯是上一代的奥国大钢琴家兼伟大的教师，他是雷谢狄斯基（T·Leschetizky）的门生，它是第一位被称为贝多芬专家的演奏家。当代的钢琴演奏家或者教师都以师事史纳伯为荣，甚至以他这一系的教学系统而自夸。 -(音乐人网微信：YYRW365)　　1、如何练琴： -　　①、最初较为注重技巧练习。 -　　②、有了技巧后，把技巧放在第二位，否则会变成单纯的技巧家。 -　　③、音乐注重直觉。 -　　④、强调音乐的诠释，要忠于原谱。 -　　2、是否作基本技巧练习： -　　教学是注重技巧练习。 -　　克劳迪欧·阿劳（Claudio Arrau1903~?） -　　阿劳是南美洲最杰出的钢琴家，也是当代名列十大的钢琴大师，他出生于南美洲智利，在德国受教育，最后在美国定居，虽然他在美国逗留44年，他仍然保留他的智利公民的身份。由于母亲的启蒙，在3岁学琴之前，已可背弹贝多芬的奏鸣曲，是个惊人的神童，五岁举行首次独奏会，六岁入圣地亚哥音乐院，八岁在圣地亚哥正式登台举行独奏会年间师从于马丁·克劳塞（Martin·Krause）克劳塞1918年逝世后，他完全靠自修完成了自己的音乐教育，为了在紧张中保持平静而看了许多“禅宗”方面的书，并从禅宗中不断地找到钢琴艺术所必备的条件。 -　　1、如何练习： -　　①、在12到13岁时，每天练3小时基本练习。　　②、14岁以后，该练乐曲困难部分。 -　　③、演奏前不到会场预演。　　八卦：音乐大师的生活作息表　　　　　　　　你有多久没有给好朋友惊喜了？　　如果你有哪个朋友可能也喜欢这篇文章，请分享给他/她吧 :)
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　　七种中古调式　　【现在古卓音律吉他教室已经开通远程视频教学。如果您想学专业吉他，无论你身在哪里，都能和您面对面沟通教学，欢迎加QQ：交流探讨。　　】　　中古调式是中世纪的欧洲出现的几种调式。由于这个时期是罗马教会统治欧洲的时代，所以人们后来把这些调式叫做“教会调式体系”，也叫中古调式。共同特点：其音阶由七个音构成，全部都是自然音，没有变化音，就好像人们只在钢琴的白键上弹奏，因而人们把这些调式也称做“自然调式体系”。　　中世纪的欧洲出现的几种调式。由于这个时期是罗马教会统治欧洲的时代，所以人们后来把这些调式叫做“教会调式体系”，也叫中古调式。这些调式有一个共同特点：其音阶由七个音构成，全部都是自然音，没有变化音，就好像人们只在钢琴的白键上弹奏，因而人们把这些调式也称做“自然调式体系”。也有的人与大小调式体系加以比较，称其为特种自然大小调。教会调式在当时被广泛地用于格里高利圣咏中，当然那时只是不自觉地运用，并没有现成的理论可供参考。实际上，几乎所有的调式都产生于大量的音乐实践之后，由音乐理论家从音乐中抽象出它的规律来，以便规范音乐的创作。对教会调式最早的描述，是公元850年左右Aurelian的“Musica disciplina”。　　起初，有四个音可以做主音：re、mi、fa、sol。以它们为主音，可分别构成四种正格调式：多利亚、弗里几亚、利底亚、混合利底亚。这些名称来自古希腊，中世纪却很少用。　　后来，格拉雷纽斯(Glareanus)给主音为la的调式取名为爱奥里亚，主音为do的调式取名为伊奥尼亚。　　副格调式从正格主音的下方五度出发而构成，每个正格调式都有一个相应的副格调式。这样，我们就有了十二种教会调式。而现代的一些著作又把它扩充为十四个调式，加入了以si为主音的洛克里亚调式和它的副格调式。　　下面，我们就把七个正格教会调式分别介绍如下：　　1. 以首调唱名do为主音的调式，叫伊奥尼亚调式(Ionian)。它的音阶关系是：全音、全音、半音、全音、全音、全音、半音。表面上看，它与自然大调式、中国七声清乐宫调式的音阶结构完全相同,属于大调类调式。　　2. 以首调唱名re为主音的调式，叫多利亚调式(Dorian)。它的音阶关系是：全音、半音、全音、全音、全音、半音、全音。这个调式的特点是：与自然小调相比，主音上方有一个大六度，这个六度叫做多利亚六度。表面上看，它与中国七声清乐商调式的音阶结构完全相同,属于小调类调式。　　3. 以首调唱名mi为主音的调式，叫弗里几亚调式(Phrygian)。它的音阶关系是：半音、全音、全音、全音、半音、全音、全音。这个调式的特点是：与自然小调相比，主音上方有一个小二度，叫做弗里几亚二度。表面上看，它与中国七声清乐角调式的音阶结构完全相同。属于小调类调式.　　4. 以首调唱名fa为主音的调式，叫利底亚调式(Lydian)。它的音阶关系是：全音、全音、全音、半音、全音、全音、半音。这个调式的特点是：与自然大调相比，主音上方有一个增四度，叫做利底亚四度。增四度是三全音的音程，它给这个调式带来了一种特殊的、神秘的韵味。属于大调类调式.　　5. 以首调唱名sol为主音的调式，叫混合利底亚调式(Mixolydian)。它的音阶关系是：全音、全音、半音、全音、全音、半音、全音。这个调式的特点是：与自然大调相比，主音上方有一个小七度，我们把它叫做混合利底亚七度。表面上看，它与中国七声清乐徴调式的音阶结构完全相同,它也是大调类的调式。　　6. 以首调唱名la为主音的调式，叫爱奥利亚调式(Aeolian)。它的音阶关系是：全音、半音、全音、全音、半音、全音、全音。这个调式的特点是：它的音阶结构与自然小调式、中国七声清乐羽调式完全相同,属于小调类调式。　　7. 以首调唱名si为主音的调式，叫洛克利亚调式(Locrian)。它的音阶关系是：半音、全音、全音、半音、全音、全音、全音。这个调式的特点是：与自然小调式相比，主音上方有一个小二度和减五度，我们把这个五度叫做洛克里亚五度。与增四度一样，减五度也是一个三全音音程。它是最具小调特点的调式。
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　　吉他初学者乐谱学习（上）　　【现在古卓音律吉他教室已经开通远程视频教学。如果您想学专业吉他，无论你身在哪里，都能和您面对面沟通教学，欢迎加QQ：交流探讨。　　】　　吉他常用的乐谱包括简谱、五线谱和六线谱。　　1.　简谱　　表示音的高低的基本符号，用七个阿拉拍数字标记。它们的写法和读法如下：　　写法： 1 2 3 4 5 6 7 i　　读法： Do Re Mi Fa Sol La Si Do　　以上各音其相对关系都是固定的，除了3—4、7—i 是半音外，其它相邻两个音都是全音。　　为了标记更高或更低的音，则在基本符号的上面或下面加上小圆点。在简谱中，不带点的基本符号叫做中音；在基本符号上面加上一个点叫高音；加两个点叫倍高音；加三个点叫超高音；在基本符号下面加一个点叫低音；加两个点叫倍低音；加三个点叫超低音。　　同一音从低音到中音或从中音到高音的音高关系均称为一个八度（包含十二个半音），其余类推。　　为了使各音符能表示出准确的音高，还需要利用调号标记。在一首歌（乐）曲的开始处左上方所写的1=C、1=bB等使是调号标记，如1=C就是将1唱成键盘上小字一组的C那样高，中音1的高度已经确定，其它各音的高度也就可根据其相互间的全音、半音关系确定了。　　简谱中，音的长短是在基本符号的基础上加短横线、附点、延音线和连音符号表示的。　　※）短横线的用法有两种：写在基本符号右边的短横线叫增时线。增时线越多，音的时值就越长。　　不带增时线的基本音符叫四分音符，每增加一条增时线，表示延长一个四分音符的时间。　　写在基本符号下面的短横线叫减时线。减时线越多，音就越短，每增加一条减时线，就表示缩短为原音符音长的一半。　　※）写在音符右边的小圆点叫做附点，表示延长前面音符时值的一半。附点往往用于四分音符和少于四分音符的各种音符。　　带附点的音符叫附点音符。　　※）用来连结同样高低的两个音的孤线叫连音线。连音线可以连续使用，将许多个同样音高的音连接起来。用延音线连接起来的若干个音，要唱、奏成一个音，它的长度等于这些音的总和。　　※）将音符的时值自由均分，来代替音符的基本划分，叫做连音符。连音符用弧线中间加阿拉伯数字来标记，初学者最常接触的是三连音，　　※）表示音的休止的符号叫做休止符。　　简谱中中休止的基本符号用“0”来表示。表示休止的长短标记，不用增、减时线，而用“0”代替，第增加一个“0”就增加相当于一个四分休止符的时间，有什么样的音符就有什么样的休止符，其相互关系也完全一致。　　※）临时改变音的高低的符号叫临时变音记号，主要有升号、降号、还原记号等。　　升号写在音符左上方，表示该音要知高半音，如#1表示将1升高半音，在吉他上的奏法就是向高品位方向进一格。　　降号写在音符左上方，表示该音要降低半音，如 b3 表示将3降低半音，在吉他上的奏法就是向低品位方向退一格，空弦音降半音就要退到低一弦上去。　　还原号是将一小节内“#”或“b”过的某个音回到原来的位置。　　以上临时变音记号都是一小节内才起作用，过了这小节就不起作用了。
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　　练习大横按的技巧】——减少酸痛吃力感　　【现在古卓音律吉他教室已经开通远程视频教学。如果您想学专业吉他，无论你身在哪里，都能和您面对面沟通教学，欢迎加QQ：交流探讨。】　　大横按对很多吉他入门时间不长的新手们来说是道不小的坎儿，但只要迈过了这道坎儿，你会发现吉他之于你已不单单只是件乐器那么简单而已。　　那吉他入门后该怎样练习大横按呢？首先在横按前，先检查一下琴弦与品位距离。众所周知，在第十二品处是五毫米，高于这规格，按弦就会感到吃力。普及吉他的弦枕是胶上后再加工的。弦枕上的槽要用锯条锯深，使弦放进槽内后比第一品格高出一毫米，这才合乎标准。　　大横按也要求到位，如不到位，必然会增加压弦力，以造成虎口肌肉酸痛。除以上两个原因外，大横按的不适感往往是在初学横按时没有得到正确的指导，从而使整个左手在僵硬状态下运动所致。　　大横按的关键是食指，它是不是平直的按在弦上的呢？以F大三和弦为例：　　只有食指指尖按第六弦，指根按第一弦和第二弦。而三、四、五弦分别有中指、无名指和小指在工作。　　再以降B大三和弦为例：　　情况与上例差不多，不同之处是食指指尖按第六、第五弦，指根按第一弦、二、三、四弦上分别按有小指、无名指和中指。由此可见，食指在这种情况下，只要两端用力，中段是浮按在弦上的食指呈弓形而有分析地按三根弦，比平直地按六根弦要省力得多。　　这有一种在独奏或伴奏中出现不多的如Fm(2)和弦，只有食指单独横按六根弦，这才是平直的按弦。但这种平直，也要看右手的手法，如是pppima形式的琵音，可以用食指指尖先将第六、五弦按实，而琵音还未弹到的弦，让指根部分浮按;直到右手弹到该弦前一刹那才将弦按实。这样分先后的各个击破，又省去了一部分的力。　　特别要注意的是，食指在作单指横按时，其他手指不要压到食指上去帮助增加力度，这做法会使左手指失去独立性，碰到如《西班牙小夜曲》的第一小节就无法演奏。左手的大拇指的位置也很重要，太靠近无名指，会使大拇指根部和虎口僵硬，从而产生酸痛，拇指最好在食指和中指的后面。横按所用的力也要用“巧劲”，心中要想“轻轻的按”，这样自我暗示，得到的效果会更好，你的不适感就会大大减少。
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　　Ukulele尤克里里的简明教程　　Ukulele体积很小，因而携带方便，但Ukulele不会出现在儿童商店里，得去琴行买！　　　　　　　　　　　　　　　　　　【现在古卓音律吉他教室已经开通远程视频教学。如果您想学专业吉他，无论你身在哪里，都能和您面对面沟通教学，欢迎加QQ：交流探讨。　　】　　一、Ukulele调弦（调音）　　Ukulele用的是古典弦，第3旋最粗，2，1旋其次，最细的是第4旋。音从上往下是G、C、 E、A。　　1、首先，调对的第三弦的开放弦" C"。　　2、调好第三弦了。然后按住第三弦的第四格弹响它，它是 " E"；然后你调节第二弦，第三第四格的" E"和第二弦的空弦的 "E" 声音是相同的。　　3、调好第二弦了。然后按住第二弦的第三格是 " G" 它与开着的第4弦的开放弦是相同的" G"。　　4、最后，按住第4弦的第二格，直到它和第一弦的开放弦完全相同。　　5 、最后 按住第2弦第5品，同时弹第1弦，直到2个音调成一样，这个音是A。　　怎么样？只要你调准了第三弦的"C"，你就可以通过它来调准其他的三条琴弦。当然，你还可以直接用尤克里里专用的电子调音器或者用其他定音乐器调准你的尤克里里。　　二、持琴　　以右上臂、前臂的内侧和胸的右侧固定琴身，要保持肘关节和腕关节的灵活，腕关节的灵活在弹奏的时候很重要，尤其是打节奏的时候。初学的时候觉得稳固琴身有些难度，夹紧了会觉得肘关节和腕关节不灵活，需要多练习和适应。以左手持于要弹的相应把位，拇指抵于相应把位后方。　　可以站立持琴也可以坐着持琴，方法相同。坐着时可以跷起腿把琴放在腿上这样可以更加稳固。小尤体积小巧，可以不用背带。有的琴上也没有连接背带的地方。如果觉得持琴不稳可以自己做一个小背带。　　三、Ukulele节奏的弹法　　弹节奏的手法有两种：down(向下弹)和up(向上弹),如下图。　　四、Ukulele基本和弦　　五、基本和弦及第一把位的C大调音阶　　1、基本和弦　　六、ukulele的日常学习　　当你已经学习了尤克里里的基本弹法，你就应该在更多的人面前演奏它。 即使你只能弹三个和弦，也已经足够你去表现自己了。　　如果你的家人和朋友听了你的演奏脸色并不是赞许的，你一定不要烦恼和退缩。即使你已经没有什么可以去为他们演奏了，你只需从容地结束演奏并慢慢的离开就行了。　　当你开始的时候，没有人会多想欣赏你玩的， 除非你是Eric Clapton（艾力克?克拉普顿，美国著名Blues Guitar演奏家）。　　但尤克里里是奇迹般的乐器。它的声音不会打断人们谈生意或爱人的窃窃耳语。 这一点使许多人可以在一起玩，大家都不互相干扰。　　如果你的双臂温柔地象捉住猫一样捉住你的尤克里里宝贝, 通常一些人会微笑而且说：这个宝贝真漂亮或真可爱! 但尤克里里没有人来演奏它就不会那么吸引人哦。
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　　欢迎喜欢音乐的朋友都来交流探讨
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