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我的博客今天4岁0天啦！
日，在新浪博客安家。
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这些年来，新浪博客，陪伴着我一点一点谱写生活。
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过去5年的总结：
真的是巧合&&好多天没有登录博客了&&今天登陆是四岁的生日&&四年，大学生活，有过苦涩，有过幸福。但都已结束，新的生活希望是美好的！
我今天的心情：
最近一直很失落，空荡荡的，一个人去做了好多，但我知道这才是属于我的生活
向未来许下一个愿望：
四年后的今天不知道我会是什么样子，希望能够开开心心的再回来，梦想成真，加油！
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钢琴教学可分为启蒙，初级，中级和高级四个阶段，各阶段的学习内容通常包括基本练习，练习曲，复调作品，乐曲几大类。作为基础练习，目前仍然是车尔尼的作品最为系统，如《钢琴初步教程》599，《24首左手练习》718，《钢琴流畅练习曲》849，《钢琴快速练习曲》299，《钢琴练习曲50首》740等。&
&&&车尔尼是19世纪上半叶维也纳钢琴演奏学派的代表人物，他所写的大量练习曲是针对古典作品演奏技术，即“古典技术”训练的，主要是手指的颗粒、均匀、快速，对左手的训练较为薄弱，因此期间必须增加各类作曲家的联系曲目作为补充。这些教材可以根据学生的实际情况，有针对性地选择，穿插进行，不能一味的依次一条条的弹下去。
儿童的启蒙阶段
&&&&在目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型，即高音谱表入门法，中央c入门法，多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入门法，目前在国内广泛应用的《汤普森浅易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。
李斐岚，董钢锐编著的《幼儿钢琴教程》采用了以中央c为主的入门法，突破了以往此类教材的音域局限，从3指开始学重量落下，逐步扩大到其余各个手指的方法已被公认为最好的方法。
冯·德·魏尔德：《陶梅格·露丝》系列。这一幼儿系列较注意引起幼儿的兴趣，从小培养他们具有良好的乐感。
&& 柯达依：《钢琴学校》第一册。
巴托克：《小宇宙》。这是一本非常重要的入门课本。因为它的五指位置包括种种非大调或小调结构的五指排列，有助于学生及早接触黑键及各种调式，含有许多复调模仿级对位因素。
齐格勒：《钢琴教本》第一册。该书的特点是先听后弹，耳朵领先。
&& 勋格勒：《钢琴教室》第一册。
狄贝阿里：《二十八首联弹练习曲》中较容易的，越早让学生进行四首联弹训练，越有利于养成用耳朵听辨声部与互相配合的习惯。&
钢琴教学的初级阶段
一、钢琴教学初级阶段的练习曲
这个阶段的学习内容相当于从车尔尼的《钢琴初步教程》599到车尔尼的《钢琴流畅练习曲》849。
&& 1、车尔尼的《钢琴初步教程》599
这是我国钢琴初级阶段教学运用极为广泛的教材之一。全书可分为三个部分。第一部分是57首以前这部分是巩固手型，训练手指独立性的练习，要求弹奏放松、自然、练习速度以慢速中速为主。
第二部分是58~79首。58首到70首是训练快速练习，这里的快速是针对前阶段而言的，在学生奏法正确的基础上要求初步加快速度。71首~79首是带装饰音与不带装饰音的旋律练习。练习时先慢速，把节奏弹准确，弹平均，双手对齐，在稍微加快。这部分又是旋律练习要注意乐谱上的表情术语及力度术语，注意分句、呼吸、旋律的连贯与歌唱。
第三部分是80首到结束，是综合性的练习，无论音型、节奏型、音阶琶音类和双音练习都比前面丰富，练习时不仅要弹准确，还要注意音乐起伏，做出力度，速度变化。
&& 2、车尔尼《钢琴简易练习曲》139
这是从599过渡到849的教材之一。139的教材编排不如599集中，可以选择与599不同类型的曲目。在599到50首左右就可以交叉使用。
&& 3、车尔尼《24首钢琴左手练习曲》718
这是全部为左手而写的练习，内容有音阶，琶音型、五指型、分解和弦等，学习顺序要灵活掌握，对于手小的学生，可以先学音阶型或五指型的曲目，八度练习暂缓。
&& 4、车尔尼《160首八小节钢琴练习曲》821
&&本教材不仅技术类型较丰富，而且难度跨度大，包含了从初级程度到高级程度的练习。每一首只有8小节，技术课题非常集中，尤其适合一些其他课业多，练习时间较少的学生使用。
&& 5、莱蒙《钢琴练习曲》37（又译为“勒穆瓦纳”）
全书共50首，由浅入深。他的特点是较多的左手练习，双手比较均衡。可以弥补车尔尼练习曲中偏重右手的不足之处。
&&6、布格缪勒《简易练习曲25首》100，《练习18首》109
这两集练习曲都是有标题的小曲，形象鲜明，手法简洁，旋律优美动听，音乐性较强，非常适合初学者学习。在599到50首左右时，可以逐步选用作品100的曲目。
作品109在技术上比作100难，篇幅也大些。在进入车尔尼的849后可以选用。
&& 7、车尔尼的《流畅练习曲》849
从599到849是初级阶段的前期进入到初级阶段的后期。849共30首，每一首的技术内容基本上不重复。在选用时要具体分析每首练习的难点，考虑技术的“过渡”问题。
849与599，139不同之处是每首曲子有了速度标记，根据849教材的标题，应当做到演奏流畅，尽可能按要求的速度去弹，为下一步中级阶段做准备。
&& 8、赫尔契伯格编《趣味钢琴技巧》
从预备到第五册，由浅入深。编者从几十位作曲家的作品中选择了一些旋律优美而短小的练习曲，每首都有标题，并在标题下给予明确的提示和要求。技术类型比较全面，又由于作曲家各自不同的风格特点，因此，曲目丰富多彩，是一套生动有效的教材。
二、初级阶段的复调
复调作品的特点，是左右手不同声部、不同旋律同时进行，在节奏、重音、力度、句法、旋律、起伏等方面既有内在的联系，又各自独立。对于训练大脑的多维思维，节奏感、左右手的独立性等都是很好的教材。
&& 1、巴赫《初步钢琴曲集》
这本教材共28首，是巴赫为其妻子安娜·玛格达蕾娜写的练习小曲，是初级阶段必学的内容。
&& 2、巴赫《小前奏曲与赋格曲》
这是适用于巴赫《钢琴初步曲集》与《创意曲集》之间的教材。
&& 3、中国作品
中国作品中有一些较简单的复调作品，采用了广大群众熟悉的民歌作为主题，比如王震亚的《沂蒙山小调》，陈静荠的《浏阳河》，黎英海的《盼红军》、《花鼓调》、陈铭志的《子弟兵与老百姓》等。
三、钢琴初级阶段的乐曲
&& 1、汤普森《现代钢琴教程》
这是一套内容极为丰富的教材，由浅入深共五册。除了简易的钢琴曲外，还精选了大量歌剧、芭蕾舞剧、交响乐等世界名曲的改编曲，其中包括巴赫、莫扎特、贝多芬、肖邦、李斯特等著名音乐家的经典作品。在每首作品前，或介绍作曲家，或介绍乐曲特点，或讲解音乐常识，或指出练习要点，使学生在学每一首曲子的同时，获得更多的知识，提高音乐素养。由于乐曲形象生动，深受学生的喜爱。
&& 2、威尔《世界儿童钢琴名曲集》
这是一本深受国内外儿童喜爱的曲集，其中都是简化了的世界名曲，在训练技术的同时，培养学生对音乐的感受和表达能力。
&& 3、《钢琴小奏鸣曲大全》
小奏鸣曲是我国钢琴教学中运用较为广泛的内容之一。这本大全收入了海顿、克列门第、库劳、莫扎特、杜舍克、贝多芬、迪亚贝里、卡巴列夫斯基、格季凯等大师的小奏鸣曲共48首。程度相当于599后部，849前部到299。
&& 4、《少年儿童钢琴曲选》（）
1979年，为了展现建国30周年我国音乐创作的成就，中国音乐家协会在国庆前选编出版了两套中国作品集，这本《曲选》是器乐作品选中的少年儿童钢琴曲专辑。
&& 5、中国风格《儿童钢琴曲选》
由人民音乐出版社编辑部编的，这本曲集共91首，是适合启蒙阶段程度的小曲。
&& 6、少年儿童《钢琴四首联弹曲集》
四首联弹是一种非常好的教学形式，可以训练学生的听觉与合作能力。并且因为四只手弹比两只手弹更丰富，能提高学生的学习兴趣与练习的积极性。本曲集所选的19首曲子，都是以儿童熟悉的歌曲及乐曲改编而成的。&&
乐曲的范围很广，相应的教材也很多，如老柴的《少年钢琴曲集》舒曼的《儿童组曲》《少年曲集》。全音乐谱出版社出版的《您喜爱的钢琴百曲集》第1、2集（共6集），中央音乐学院钢琴系编的《少年儿童外国钢琴曲选》第1、2集，（共6集），都可以广泛的选用。
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钢琴教学的中级阶段
&&&&&&钢琴教学的中级阶段是一个比较长的阶段，其中车尔尼《钢琴快速练习曲》作品299程度与车尔尼《钢琴练习曲50首》作品740程度可视为两个台阶。从车尔尼《钢琴流畅练习曲》作品849过渡到299，再从299进入740，中间必须穿插根中各样的练习曲目作为铺垫，特别是740，技术课题很多，无论难度、速度、都不是那么容易掌握的。
&&&&&&这个阶段要进一步加强手指的独立性与灵活性，使手指能快速、均匀、有力地跑动；学习不同的触键，增强指尖的灵敏度，弹奏出不同层次的音色变化；进一步训练手指、手腕、手臂三者的相互配合，逐步掌握各种专门技术。随着技术的提高，曲目范围的扩大，要学习掌握不同时期作品的风格，重视音乐表达能力的培养，在演奏中恰当的运用这些技术来表现音乐。
一、钢琴教学中级阶段的练习曲
&&&&&&1、车尔尼《25首钢琴小手练习曲》748
&&&&&&对于达到中级程度，而手还小的学生来说，这本教材非常适宜，因为曲目中双音最大的跨度为7度。比起车尔尼其他一些简易练习曲来748增加了左手练习，音乐性也更强。
&&&&&&2、车尔尼《钢琴手指灵巧的初步练习曲》636
&&&&&&这是一本比较机械的练习曲集。共24首，每首的篇幅较小可以把它作为进入299的快速练习准备。
&&&&&&3、车尔尼《160首八小节钢琴练习曲》821
&&&&&&初级阶段中已作了介绍，此阶段可在第2、3集里适当选用。
&&&&&&4、车尔尼《钢琴快速练习曲》299
&&&&&&这是本阶段主要教材之一。全书共40首，分为4集，每集10首。学习时应当根据学生的实际情况和不同阶段又针对地加以选择，不要机械的一条条顺着弹。
&&&&&&练习299时要在读谱仔细、方法正确、弹奏熟练的基础上加快速度，力求手指颗粒感、清晰度、均匀有力的基本技术都有明显提高。同时，特别要注意训练快速跑动中有意识地训练手腕、手臂与手指的配合。
&&&&&&5、克拉莫《60首钢琴练习曲》
&&&&&&本书注重同时发展左右手的技术，每一首篇幅不大，技术类型集中，包括各种单音、双音、保留音的练习。全书一半以上都是以一种技术类型，分别在左右手训练，为左右手的手指独立性、颗粒性、准确性、灵敏性和加强手指力量的训练提供了更大的可能。
&&&&&&6、车尔尼《钢琴练习曲50首》740
&&&&&&这是中级阶段最高的程度，这本练习曲包含了各种基本技术和专门技巧。在练740时，除了正确熟练等基本要求外，速度上一定要突破。这是，一首练习曲不是短期能完成的往往需要一至两个月或更长的时间。要讲究练习方法，高标准，反复练，使技术有一个飞跃。如果能够将740中的各种技术类型的练习曲都演奏得很出色的话，就能顺利地进入高级阶段的学习。
二、钢琴教学的中级阶段复调作品
&&&&&&以巴赫的《创意曲集》为主，同时可以学习《法国组曲》以及部分《平均律钢琴曲集》作品。
&&&&&&1、《创意曲集》
&&&&&&分二声部与三声部，各15首。学习二声部创意曲，可以选音符与节奏都稍微简单些得先练，如1、4、8、13。
&&&&&&比起二声部三声部的要难得多。首先要抓住主题，脑子里对三个声部的进行要很清楚，然后手指要控制好不同声部的力度对比和音色对比。可以先练6、2、7、1、15。
&&&&&&2、《法国组曲》
&&&&&&这是巴赫于1720年~1724年间完成的古组曲题材的作品，共六组。他的基本结构是由四首速度和节拍不同的舞曲，按一定顺序组成，这四种舞曲是阿列曼德、库朗特、萨拉班德和基格，他们的调性统一每一组前三首的顺序是固定不变的，而在萨拉班德与基格之间，则可插入“小步舞曲”、“旋律”、“加伏特”等其他舞曲或乐曲。这六组中唯一不同的是第四组，在阿列曼德前面多了一首前奏曲。据说“法国组曲”这个名称不是巴赫本人所提，是因为作品的典雅风格类似法国风味而得。
&&&&&&3、巴赫《平均律钢琴曲集》
&&&&&&平均律是一种调律方法，简而言之，就是将8度音程平均分为十二个半音。在巴赫的时代，所使用的调律法基本上是纯律，这很不利于转调，虽然平均律的调律法曾被提出，但直到巴赫才真正运用。《平均律钢琴曲集》的标题用巴赫亲自题的。
《平均律钢琴曲集》共两集，每集24首，是根据十二个半音的规律，由c大调开始，依次以半音进行，每个音用大，小调分别写一字前奏曲与赋格曲，故24首。这部巨著式复调音乐创作的顶峰，被誉为钢琴音乐的“圣经”------“旧约圣经”。
三、钢琴教学的中级阶段的乐曲
&&&&&&1、莫扎特《钢琴奏鸣曲集》
&&&&&&莫扎特一生创作出版了20首钢琴奏鸣曲，在他全部钢琴音乐创作中占有重要位置，也是钢琴教学中学习古典时期音乐的重要教材。
&&&&&&莫扎特的钢琴奏鸣曲多数由三个乐章组成，因各乐章的程度并不完全一致，学习可以先练习技术上音乐上较容易的乐章，最后再练习全部乐章，学习大型作品的整体把握。
&&&&&&2、肖邦的《圆舞曲集》
&&&&&&肖邦的圆舞曲创作从他的学生时代开始，一直延续到生命的最后。圆舞曲在肖邦的全部创作中，虽然不像波洛涅兹舞曲和玛祖卡舞曲那样重要，但却以通俗、华丽的织体，优美、动人的旋律和激昂、振奋的节奏深受钢琴音乐爱好者的青睐。
&&&&&&3、肖邦的《夜曲》
&&&&&&肖邦的夜曲是一种独放异彩的钢琴体裁，情感充实、思想丰富、织体多彩，是肖邦如诗的音乐的集中体现。学习肖邦的夜曲是学会让钢琴歌唱的最有效的途径。
&&&&&&4、格里格《抒情钢琴小品》
&&&&&&挪威作曲家格里格的《抒情小品》共10集，人民音乐出版社的曲集是从这十集里精选出来的。
&&&&&&5、门德尔松《无词歌》
&&&&&&门德尔松共写了49首无词歌，书中收入的是48首，分为8集，每集6首。乐曲充满了清新、优雅抒情的气息，时而轻快活泼、时而优美秀丽，时而哀怨忧伤。这是一本丰富多彩的、如歌谣般的钢琴曲集。
&&&&&&6、舒伯特的《即兴曲》
&&&&&&舒伯特的《即兴曲》共8首。作品90和作品142各4首。他的作品旋律流畅，和声运用自由，转调特别多，常用的有作品90之2、之4。作品142之2、之3、之4。
&&&&&&7、柴科夫斯基《四季》
&&&&&&这是作曲家受彼得堡一家杂志之约，按月为该杂志刊登的12首诗所写的钢琴独奏曲。每一首都有标题，最著名的是六月-----《船歌》和十一月-----《雪橇》。
&&&&&&中级程度前期可选学四月-----《松雪草》、五月------《清静之夜》、三月------《云雀之歌》，后期可选六月-----《船歌》、十月------《秋之歌》、十一月-------《雪橇》几首。
&&&&&&8、贝多芬《钢琴奏鸣曲集》
&&&&&&贝多芬共写了32首钢琴奏鸣曲，被称为钢琴音乐的“新约全书”，是学习古典音乐的必修教材。贝多芬的钢琴奏鸣曲分为3个时期，1794年~1800年创作的13首是第一时期，为早期风格；1801年~1804年是第二时期，也是作曲家创作的全盛时期，共有14首；最后五首尾晚期作品。中级阶段主要学习第一时期的奏鸣曲，也可以选用一些第二时期的作品练习。
&&&&&&9、魏廷格主编的《中国钢琴名曲曲库》
&&&&&&中国钢琴作品创作的历史虽不长，但是从我国第一首钢琴曲------赵元任先生1915年创作的《和平进行曲》到现在，特别是70年代以后，出现了大批好作品。由魏廷格、李明俊、许明共同编订，由我国著名音乐家贺绿汀提名这套“曲库”是我国第一套比较系统，内容丰富的中国钢琴曲集，一共4卷，95部作品（其中包括组曲），可供独奏选用的140多首。
以上介绍的是专辑，另外，在一些综合曲选中也有不少好的曲目，如人民音乐出版社编的《外国钢琴曲选》（一）中，贝多芬的《六首变奏曲》，博姆《喷泉》；《曲选》（二）中亨德尔的《快乐的铁匠》；曲选（三）中莫扎特的《d小调幻想曲》以及德彪西钢琴曲选中的《阿拉伯风格曲》二首及《月光》。
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钢琴教学的高级阶段
如果说钢琴的初级阶段我们侧重于手指技能的训练，学习和掌握各类基本弹奏技术，那么，随着学习的深入，程度的提高，更要注意培养对音乐的理解能力和表达能力。高级阶段的重点应当是在音乐的表现上，从乐曲中学技术，用技术表现音乐。
这个阶段应广泛地接促各种风格、各种类型的作品，扩大曲目范围。
一、钢琴教学高级阶段的练习曲
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&&&&&&1、莫什科夫斯基《钢琴技巧练习曲》作品72
&&&&&&N·莫什科夫斯基（）波兰钢琴家、作曲家、教育家。
&&&&&&经过中级阶段大量的、比较机械的、纯技术性的训练以后，要进入高级阶段，莫什科夫斯基《钢琴技巧练习曲15首》作品72是一个非常好的过渡。它既有相应的难度，又有较强的音乐性，在练习这些曲子是，尤其要注意句子的长线条进行，音乐起伏、均匀而流畅。
&&&&&&2、莫谢莱斯《钢琴练习曲24首》作品70
&&&&&&L·莫谢莱斯（）捷克-德国钢琴家、作曲家、杰出的钢琴教师。
&&&&&&莫谢莱斯《钢琴练习曲24首》作品70乐谱的序言里指出:"作者的初衷不在培养完美的机械的技能，而在倾诉演奏之想象，使他善于处理明、暗细腻层次。。。。"，并且指出四个要点“指触”的说明；连奏奏法；遵照节拍演奏；练习的正确方法。
&&&&&&24首练习的技术课题，几乎都是不同的，最后一首还采用了序曲与赋格的写法。作者在每首练习前都注明了具体的要求和方法。练习之前应当仔细的阅读，学习过程中努力去领会和掌握。
&&&&&&3、克列门蒂《钢琴练习曲选29首》
&&&&&&M·克列门蒂（）意大利作曲家、钢琴家。
&&&&&&克列门蒂《钢琴练习曲选29首》又称“名手之道”，“艺术津梁”、“通向艺术的阶梯”。是波兰作曲家陶西格从克列门蒂的100首练习曲中精选的。
&&&&&&作为高难度的练习，克列门蒂的这一教材值得推荐。虽然有不少仍然是技巧性的，但是，对于进一步提高手指对各种技术的适应能力是有效的。特别要指出的是：
&&&&&&①乐谱上每一首练习都标明指法，演奏时应当很好地去研究，有些指法对于手的自然状态或习惯用法来说比较别扭，但作为练习必须这样做。
&&&&&&②在第1、3、4、5、8、9、15、17、18、19、20、26、28、29中，作者都注明了具体的练习方法和要求，应当严格去做。
&&&&&&4、凯斯勒《钢琴练习曲15首》作品20
&&&&&&J·凯斯勒（）德国钢琴家。
&&&&&&凯斯勒《钢琴练习曲15首》作品20是从他全部练习曲中精选出来的重要部分，是训练高难度技巧的专门练习。
&&&&&&5、车尔尼《160首8小节钢琴练习曲》作品821的第三集（部分）第四集
&&&&&&6、肖邦《练习曲集》作品10、作品25
&&&&&&7、李斯特音乐会练习曲两首之一《森林的呼啸》，之二《侏儒舞》，三首音乐会练习曲之3《叹息》等。
&&&&&&8、李斯特《帕格尼尼练习曲》&&&&&&
&&&&&&9、拉哈马尼诺夫《钢琴音画练习曲》作品33、作品39
&&&&&&10、德彪西《12首练习曲》
&&&&&&11、斯克里亚宾《钢琴练习曲》
二、钢琴教学高级阶段的复调
&&&&&&1、巴赫《英国组曲》
&&&&&&与《法国组曲》的标题一样，《英国组曲》并非巴赫所订名，有人说是受英国人之托而写，为英国人而作，应此得名，也有说是受英国作曲家的影响，以他们的模式来创作的。
&&&&&&《英国组曲》也是属于“古组曲”体裁，由四种基本舞曲组成，在萨拉班德和几个之间仍然可插入各种舞曲。“英国组曲”与“法国组曲”最大的区别在于“英国组曲”的开头都有一篇篇幅较大的前奏曲，而且，在组曲中占了重要地位，确切的说《英国组曲》应当称为“带前奏曲的组曲”，共有六组。
&&&&&&2、巴赫《帕蒂塔》（又称德国组曲，古组曲）
《帕蒂塔》与《法国组曲》《英国组曲》一样，都是巴赫键盘音乐中的精品，且更为成熟，具有明显的意大利风格。这套组曲中歌曲的编排不像另外两套那样固定，比较自由。不局限于舞曲，还用了随想曲、诙谐曲、幽默曲等。一共7组，第7组是明显的法国风格，仍以法国舞曲组成。现在一般乐谱只有6组。
&&&&&&3、巴赫《平均律钢琴曲集》
三、钢琴教学的高级阶段的乐曲
&&&&&&到了这个阶段，应该说是可以自由驰骋在钢琴音乐的天地。钢琴音乐文库犹如浩瀚大海，取之不尽，用之不竭，掌握高级技巧后，学习的曲目就无限广阔。如：
贝多芬的《钢琴奏鸣曲》中的后期作品。
&&&&&&莫扎特《钢琴奏鸣曲》K475、K498等。
《波兰舞曲》第一首作品26之1；第8首作品71之1；第14首#g小调和第16首降G大调等。
《谐谑曲》第2首作品31，第3首作品39等。
&&&&&&李斯特作品《爱之梦》第3首，根据阿拉比耶夫的原作改编的《夜莺》，《威尼斯与那波里》第3首《塔兰泰拉》等，《匈牙利狂想曲》第11首。
&&&&&&舒曼《童年情景》，《蝴蝶》等。
&&&&&&德彪西《前奏曲》（选）
&&&&&&中国作品：
&&&&&&黎英海《夕阳箫鼓》
&&&&&&谢&&
耿《霓裳羽衣曲》
&&&&&&王建中《百鸟朝凤》
&&&&&&权吉好《组曲----“长短”的组合》
&&&&&&王立三《东山魁夷画意》
&&&&&&赵晓生《太极》等等。
&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&手指练习
&&&&&&1、李斐岚编著《儿童钢琴手指练习》
&&&&&&李斐岚（1947~）中央音乐学院副教授，钢琴演奏家、教育家。
&&&&&&《儿童钢琴手指练习》是专为儿童而写的练习。本书充分考虑到儿童的特点，左右的练习都在两个8度以内，篇幅比较小，要求精确，易于儿童掌握。
&&&&&&2、哈农《钢琴练指法》
&&&&&&C·L·哈农（）法国风琴家，钢琴家。
&&&&&&哈农《钢琴练指法》是我国使用极为普遍的手指练习教材。
&&&&&&3、什密特《钢琴五指练习》作品16
&&&&&&G·A·什密特（）德国钢琴家、作曲家。
&&&&&&这本手指练习，分不带保留音和带保留音五指练习。
&&&&&&以上三本教材适合于启蒙阶段，初级阶段即中级阶段使用。
&&&&&&4、科尔托《钢琴技术的合理原则》
&&&&&&5、马格丽特·朗《钢琴技巧练习》
&&&&&&6、李嘉禄《钢琴基本技术联系》
&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&专家点评
&&&&&&以上的练习曲主线仍然是以车尔尼为主。要知道这是不得已而为之。因为，到目前为止，竟然还未出现过一位在整体上超过车尔尼的基础练习曲作者。
&&&&&&为了避免误解，有几点必须强调：
&&&&&&1、尽可能避免不必要的重复作功。即不必按部就班练习车尔尼的每一首练习曲。最好的办法是集中技术课题，提高训练质量，减少重复数量。宁可少些，但要好些。不要把时间浪费在不断地熟悉新的练习曲上。
&&&&&&2、重点练习曲要盯住不放，反复的练，甚至练上很长的时间。比如，299的第36首（综合），740的第三首（五指），第34首（双音），第49首（八度）。。。。个人可根据自己的弱点“保留”几首练习曲，不压随便扔掉。最好各种类型、左手右手都有一、两首保留着，天天练习。
&&&&&&3、尽一切可能用第一流作品中的技术性片断代替车尔尼练习曲中的同类技术。例如，五指型的练习或音阶琶音一类的练习，可以从莫扎特，贝多芬奏鸣曲中抽出相应的片断，反复练习。有时只抽技术艰难的部分出来练先不练全曲。
&&&&&&4、多练巴赫。无论《帕蒂塔》、《托卡塔》、《英国组曲》、《法国组曲》、《平均律曲集》中许多序曲和某些赋格，都是第一流的手指技术练习，但它们又首先是技术珍品。宁可多花时间多练些巴赫，不要把车尔尼当做唯一的教材。
5、集中的手指练习必须天天练习。从初级的哈农、到中级的什密特手指练习，到高级的毕许纳、科尔托的手指练习，还有“霍洛维茨”练习，“拉哈马尼诺夫练习”等等，倘若每天都集中一段时间（比如一小时）练习，又可少练好多练习曲。集中的手指练习可以事半功倍。但它太机械，总是一个样式的在模进，与实际在乐曲中的技术片断相差太远，也不易从中取得应变的经验。所以手指练习固然重要，但还不能完全代替练习曲。练习曲对提高技术再重要，也不能代替从第一流作曲家作品中抽出的片断进行练习。因为只有它们才真正是艺术与技术的最完美无缺的结合------既有技术又有难度，又有音乐内涵。对这些片断就不应该采取对付练习曲甚至手指练习的纯机械态度。因此，最好再进行技术训练时将三方面--------纯手指练习、练习曲、名曲中的困难片断------结合起来，同时进行练习，就一定能获得更佳的效果。
&&&&&&总之，不要把技术练习孤立起来。永远要把技术作为音乐表现的一种手段，而不是目的。&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&
早已记不清多少日子没有记录自己生活的喜怒哀乐了，早已记不清自己是否还可以无忧无虑的生活了，早已记不清这个世界的色彩了......我有太多的记不清，有时候我羡慕那些失忆症患者，也想失意一次。
大学已经离我远去，四年，很漫长吗，怎么转眼间就结束了，我还有好多没去做，我还有好多没去实现，我还有好多......时间就是这样不等人，我们又能去做什么呢。小时候就向往的大学生活已经结束了，各奔东西的我们多年后能否记起这个青涩的年代。
自己有太多的无奈，不知道从什么时候开始，和妈妈的关系有了微微的变化，我羡慕别人的家长吗？我努力为这个家庭做了很多了，为什么还不能让我开心一点点呢，没想到这些，眼睛里总是湿湿的，你们能告诉我，我还能再做什么吗？
昨天陪好好去打针，顺便去找阿姨聊了会，挺开心的，我喜欢阿姨那种爽朗的性格，我羡慕晓光。短短的聊天，让我回想起好多开心的。
我自己每天的生活都被学生排的满满的，只有在她们面前，我还有点用处吗？马上就去北京了，加油吧
宝贝们，我不知道我还要不要去，今天好不容易白天能休息下，又和妈妈有了争吵，我突然想离开，觉得自己好累。生活还要继续.......
& 对于我们，我不知道该如何描述，翻看去年的日志，心里有种说不出的滋味，我该怎么办？
技术种类与练习方法
为了让学生容易理解，肖邦在不涉及任何音乐风格的情况下，单独对技术种类进行分类，他称其为“基本原理”，并划分为三个部分：
相邻音的练习，主要为全因音阶，半音音阶和颤音；超过全音和半音距离的练习，特指手指间的距离为一个全音加上一个半音，即小三度音程的练习；双音练习，即三度，六度，八度的练习。
在肖邦看来，纯技术训练的种类最多如此，除此以外就是练习的习惯和方式了。他建议每个学生每天最多的练琴时间为3个小时，并且要和其他事情交替来做，例如：读书或者散步。因为正确的练习不是机械的而是遵循学生的才智和意愿，一味地长时间地重复训练没有任何效果。而李斯特则一直认为钢琴演奏者应当通过一些有力的，结实的触键练习来训练手指，并且要坚持不停地练习到手指不能坚持的程度。这种观点正是肖邦所反对的，他建议的这种练习方法则将纯技术的机械训练降到最低，并且在练习的时候，他还要求弹奏者具有演奏时的气质和状态，从而使练习效果迅速得到提高。
身体和手的柔韧性
肖邦对于弹琴时的状态要求很高，甚至具体到坐的姿势。他的学生回忆他上课说过的要求“弹琴时要坐得稍高一点，坐在钢琴中间，不要偏左或偏右，这样可以很方便地弹到键盘两端的音。右脚尽量保持放在踏板上，手的肘部自然下垂，方便于手的左右移动。”正确的手型是手指运动的前提，肖邦建议用E，升F，升G，升A，B，五个音来找到正确的手指位置。这样一来，最长的手指在黑键靠里的部分，最短的手指在白键靠里的部分，形成了最基本的手型。手型具有柔韧性，手指不能太直，手腕，前臂，大臂没一个部分都是通过手型来找到自然的位置。与很多演奏家不同，肖邦认为2指是手的中轴，当手指撑开的时候，2指作为支点，把手掌平分为两个部分。这个观点在大跨度的技术中，很具有实际意义。肖邦1829年完成的《练习曲》（Op.10,No.1）是当时的练习曲中跨度最大的一首，如果按照以前的观念，以3指为中轴，很多跨度大的琶音很难完成，而2指为支点加上手腕的运动，则增加了手指运动的宽度，提高了准确性。这个观点不仅有易于完成肖邦的作品，同时还可以被更广泛地运用到其他作曲家的作品当中。
柔韧性是肖邦最强调的部分，他总是要求学生将身体的每一个部分都参与到演奏中来。要做到这一点，首先要学会的就是放松。想想看，僵硬的身体如何能够把重量传送到手指尖上呢？不必要的紧张只会阻碍手指机能的正常运动。肖邦在给学生上课的时候，经常提到：“放松！把肩膀放下来！”这个简单的动作确实可以让声音变得不同。演奏者只有先将身体放松下来，才能做到柔韧性和灵活性。
手腕是连接手与臂的枢纽。手腕的固定与灵活关系到手臂的重量是否可以送到指尖，以及是否能送往不同的手指上面。米库利在描述肖邦演奏的时候说道：“肖邦在演奏有距离的音程段落时仍然可以非常自然地连奏，正是因为他很注重手腕的运动”。肖邦认为，手腕应该具有柔韧性，并且要尽可能的灵活。这是因为一方面，我们通过手腕可以把手臂的重量自然地落到钢琴上，即使是在弹奏极弱的时候也不例外。另一方面，手腕的运动还维系着手指间的关系，把力量从一个手指转移到另一个手指上，这一点也是弹连奏的前提。肖邦经常让初学的学生，用全音关系的两个音作慢速的连奏练习，从而来体验如何通过手腕使声音连起来。
手臂的自然运用是肖邦所强调的，他在课上常常说：“手臂服从于手指，自然地使用，也可以说是有点被动的。特别是在演奏歌唱性段落的时候，手指伸直一点，与手臂形成一个整体，再加入手臂的自然重量，会使声音洪亮圆润”。肖邦所谓的自然重量，是指完全放松，没有发力速度前提下的手臂重量。当加入手臂自然重量时，要根据所希望的印象效果相结合，不是每一次都放入全部的重量的。如果手臂运动太过主动，加入太多不必要的手臂重量，反而加大了手指控制力量的难度。
触键与听觉
学琴的目的不是要把每个音弹得均匀，而是通过我们所掌握的技术能力来发出多变动人的声音。肖邦认为，作为钢琴老师要明确的是：“钢琴的基础教学就是教授完美音质的重要性”。但是我们常常会用一些机械的训练，造成错误的方法。肖邦在最初的课程中，就开始磨练学生的触键，学生暴露问题最多的就是声音太硬或太过粗糙。肖邦最基础的触键方法是：“无论弹强音还是弱音，手指都应该下落，落到琴键的最深处，然后把手指从内侧拉回。”再此之上，我们再根据不同音色的要求来进行变化。例如，我们在演奏夜曲的时候，声音往往婉转忧郁，我们需要使手指的触键面更多一些，手指稍稍伸直，慢速度落到键底，最重要的是手指要很被动地脱离琴键，使声音延长。这样我们就可以发出像弦乐器般，或是肖邦所推崇的意大利歌唱家般的声音。一个音可以有很多种触键方法，肖邦经常让学生在一个音上用多种方式来触键。在连奏方面，肖邦在传统的连奏训练基础上有所改进。传统的训练方法是：清晰，均匀，准确，手指下键要具有一定的速度，声音颗粒性强。肖邦在此基础上提出歌唱性的连奏练习，
不仅仅把音符连起来，并且要把它们绑在一起，就像弓子触到琴弦一样，通过调整落到琴键上的重量和琴键的快慢，来获得不同的声音色彩。因此，他建议从最简单的相邻两个音开始，做最慢速的连奏练习。
肖邦在每个学生的第一节课就开始培养他们的听觉，他不认为这是有了一定技术基础以后的事情，而是钢琴基础教学的一部分。肖邦的学生发现他在演奏的时候会习惯性地一直往左上方看，于是就去问肖邦为什么会有这个习惯，肖邦回答说：“当我们可以熟练地背谱演奏的时候，我们可以在黑暗中进行练习。因为，只有在我们看不到乐谱与键盘的时候，我们的听觉才开始发挥作用，当我们真正听到我们所演奏的音乐时，就会发现一些声音问题，而这些问题是我们在关注乐谱与键盘的时候所发现不了的。”因此在最初的教学中，我们要培养学生用耳朵来辨别好的声音，确立一种最基本的声音概念和判断声音好坏的能力。在这之后，就要与我们的触键训练相结合，先明确我们所需要的声音，根据这个声音找到正确的触键方法，最后再用耳朵来随时进行鉴定和调整。无论对于初学者还是程度很深的演奏者，这种习惯都应始终用于我们的演奏和练习当中。
手指的独立性
对于手指的运用，肖邦有着自己革新式的见解。长期以来，我们为了达到声音的均匀，运用了许多练习方法，其实这些都是反自然运动，是肖邦所不提倡的。因为，每个手指都去油各自的特点我们怎么能破坏它们的特点呢？每个手指的形状决定了它们的力量特点，肖邦对他们的分析是：“大指是最有力，最宽，最自由的手指；小指是手的另一端；3指是中间的中轴；2指和4指是最弱的手指，因为它们和3指用同一条韧带活动，如果想把它们练成和3指一样灵活是不可能的，也是不必要的。正因如此，不同的手指产生了它们各自不同的声音。这样看来，肖邦认为手指的独立性指的是：“在了解每个手指特点的基础上，发挥手指的优势，达到灵活地自由运用。”这一点一直被运用到他的教学之中。肖邦在上第一节课的时候，就开始培养手指的独立性，这是很多老师所没有意识到的。他认为手指应该很轻盈，像毫无重量一样。要想达到这一点，肖邦建议，最初不要接触快的乐段，在慢速中，先学会如何控制强和弱，感受每个手指的运动特点，掌握如何控制它们。为了避免手指出现太硬或是不灵活的情况，肖邦经常让学生做一些轻的练习，这也是他教学中的一大特色。
针对以上手指独立性的问题，肖邦制定了几个练习步骤，适用于基础的教学当中：第一步，找到适合手型的这几个音，先用跳音的方法来练习这些音。通过手腕的自由运动而产生的跳音，是消除手指沉重感的最好练习方式；第二步，用连线跳音或重量跳音来练习，这是为了延长手指在琴键上停留的时间；第三步，用真正的连线且每个音为重音的连奏方式练习；最后，是正常的联奏练习。
在此之后，肖邦还建议可以用这些音进行一些针对性强的练习。例如，只强调手指的练习，改变音量从强到弱的练习，或是改变多种速度从行板到急板的练习。
手指运动时的相对稳定
在强调了手指的独立性之后，我们就要涉及手指运动的稳定性。手指的稳定性是达到声音统一和相对均匀的关键。当然，要想达到手指稳定，需要经过很多方面的训练。首先，音阶练习。肖邦认为，音阶的练习是具有条理的而不是盲目的。他建议：第一，从C大调的音阶开始练习是不明智的，虽然读谱很容易，但是手指的稳定很难做到，因为手的位置决定了没有中轴的支点。我们要选择一条手的位置容易，并且最长的手指在黑键上的音阶来最先练习。肖邦建议从B大调开始向下半音的顺序进行练习，最后再练习C大调；第二，在练习时要尽量保持声音的“连”。最初要用慢速度来练习，并且一定要使节拍器式的平均速度，之后逐渐加快。同时可以用每三个音或每四个音加重音的方式；第三，半音阶练习不能忽视。半音阶根据指法的不同，可以分为：1，2，3指交替的半音阶，3，4，5指交替的半音阶，双三度半音阶双6度半音阶和八度半音阶。
其次，对手指运动的平稳，大指的作用至关重要。大指转换是弹奏音阶中的难点。肖邦认为，音阶主要有两个基本位置组成：1，2，3指和1，2，3，4指，这部分通过大指的跨越联系起来，在跨越过程中必定有一次手的位置的调整。肖邦建议，用慢速度跳音的练习方法左右手分开训练，右手从B大调开始，左手从降D大调，这样可以在缩短音时值的情况下，体会手位置的变化，熟悉肌肉的运动变化，尤其是大指在其他手指下面经过的时候。大指自己的挥动也很重要，大指不灵活会造成很多不必要的重音以及手腕的下压缩带来的声音不平均。在我们经过慢速度跳音的练习之后，就可以进行音阶连奏的练习了。有了这个练习步骤，在手指快速运行中，大指也会顺利地通过，即使是在4，5指下面跨过，也会非常平稳。
要想在运动中达到手指的稳定，肖邦认为不仅仅需要正确的音阶练习方法，也不仅仅靠大指的自由灵活，更重要的是依靠手的整体位置一直保持向一个方向的倾向，肖邦称其为“肘部自由放松的悬挂”。当我们演奏音阶的时候，手肘不会贴于身体，而是向右侧稍稍吊起，前臂，手腕，手掌也随之调整，向右倾向。这个简单的动作，决定了音阶的走向，有益于力量的传递和声音的流畅。“这种向一方倾向的动作要一直保持，就像我们在刮奏的时候一样，肖邦常这样解释道。另外，手肘的倾向动作，还可以有助于4，5指的支撑。4，5指的支撑力相对地较弱，它们需要后面大关节的力量支持，尤其是弹到音阶上行转到下行的时候，需要前臂的力量作为4，5指的支撑，使高音转弯的地方可以顺利通过。
以上的几个方面向我们揭示了肖邦对于最基础的演奏原理的一些看法，然而，更重要的是，在弹每一首曲子的时候具体问题要具体分析。要学会通过音乐的要求寻找到正确的触键方式，一切要以声音的“连”和歌唱性作为前提，这是肖邦的教学中被一直强调的。说到这里，就不得不提肖邦对指法的创新。肖邦在谱子上标明的执法很具有他自己的特色，在演奏技巧方面产生了很大的突破。通过演奏者的不断使用，这些新的指法开始逐渐被很多人所接受。例如，大指上黑键，大指从5指下面穿过，用相同的手指弹相邻的黑键到白键，这些指法在肖邦生活的时代很新奇，但确实可以使声音听起来更加连贯和平稳，同时还不会产生肌肉多余的紧张。
音乐表达方式的基本原则
音乐的表达是钢琴表演艺术的最终目的，同时它也是演奏的基本出发点。我们常说，从音乐出发，去寻找声音，去训练技术。好的演奏其音乐是经得起推敲的，因为这不仅仅是与个人的音乐感觉有关系，还需要理性的思考。肖邦认为，音乐与技术一样，有基本的表现原则。他说过：“音乐同语言一样，语言通过文字表达，而音乐是通过声音；语言有语法逻辑，音乐表达也有规律可循。”肖邦要求学生在基础的学习阶段，就要了解音乐表达的基本原则，并且学会举一反三，培养其独立处理作品的能力。
表达音乐最基本的原则，无论是初学的小品，还是成都很深的大型作品都贯穿其中。肖邦认为首先要善于发现音乐的基本规律，音值长的音，一般都是重要的音，需要强调的音，而这些音，通常又都是在每一句或是每一段最高的音。在分句之前，或是每一次停顿，休止之前应该自然地轻下来等。另外，不要无视自然的重音，也就是不同的节拍都有重拍与轻拍的区别，如果有例外，作曲家一定会在谱子上对此标注的。
其次，肖邦非常注重乐句的处理。他总是把乐句和语言中的句子联系起来，这样学生比较容易理解。他经常比喻每个音就像是词语一样，每个乐句都有思想意义。因此，他更加重视分句，错误的分句就好像是演讲的人在用外语背诵一样，会产生很多错误的停顿，这样一来，意思往往会被扭曲。在音乐中，分句决定了句子的重点和走向，声音力度的变化以及表达的流畅性。肖邦认为，“大多数作品中一个乐句是八小节。文学作品越到后面越重要，而音乐往往与之相反，在每一句的最后都是轻声或是短小的休止符。虽然，每个乐句的重点都不一样，但句尾轻声的处理方式是处理乐句的规律之一。同时一个乐句当中，每4小节都会有小的分句，就像是语言中的逗号，没有它们，音乐就会变成是前后没有联系的不断的声音，这就像我们讲话时没有停顿，没有语气的变化是一样的。例如Op.69,No.1，肖邦认为这样来分句是合理的。（乐谱编辑中…）
肖邦建议：“乐句不要分得太短，这样会觉得乐思的组成成分太过短小；也不要把乐句展开得太长，这样整个乐章都会松下来，没有发展的紧迫感，听的人也会感到厌倦。在慢板乐章，乐句不能太短，不然音乐太琐碎，乐思会被切断，最小的分句要在4小节左右，这样才会产生长的呼吸的感觉。”
以上这些基本的原则不是肖邦首创的，而是他注重的。他经常教导学生，出色的演奏注重的就是这些细节，它们是使音乐内容丰富，生动的基础。
“钢琴的语言性是可以建立在声乐发声原则的基础直上的”，这不仅仅是因为肖邦对声乐艺术的喜爱，更重要的是，歌唱家的方法完全可以借鉴到钢琴演奏中来。肖邦认为，音乐作品都是艺术歌曲，让我们的声音通过手指使钢琴歌唱起来。想要做到这一点，我们一方面要考虑的是如何把两个声音“连”起来。“学生多听歌唱家的演唱，之后我们会发现，所谓声乐的连音，是把一个声音融进下一个声音。从这点出发，考虑到钢琴的局限性，我们要先把第一个音声音变深，变长，用每个声音后面的声音（余音）去连接下一个声音。”肖邦很擅长弹奏连音，他认为这是基础的奏法。如果他称某个学生不会把两个音连在一起，那么这会是他最严厉的批评了。
另一方面要学会歌唱家的呼吸。钢琴演奏的呼吸依靠手腕，这一点要和乐句的分句相结合。在乐句的结尾，用手腕带起最后一个音，用手的柔韧性使其落下去唱出下一句。这样做，不仅可以使分句明确，更重要的是把上下两句联系起来。就像语言中，逗号分开的前后句可能是因果关系，转折关系或是递进关系。从技术上来看，肖邦经常在课上说：“有些呼吸需要手腕抬得高一些，而有些呼吸则不需要手指离开琴键，这要考虑到分句的性质以及呼吸是在句子之间，还是在句子中间”下面谱例中的指法与连线是肖邦建议的，从中可以看出，他把歌唱性与分句结合在了一起：《夜曲》（Op.9,No.2）第26至28小节。
节奏的严格与伸缩
肖邦要求学生在演奏的时候，严格按照节奏要求，速度统一。他不允许任何随意的拖延或是夸张的渐慢。肖邦自己在演奏的时候，节奏，速度的要求很高，节拍器从未离开过他的钢琴。即使弹到旋律需要自由歌唱的时候，伴奏部分还仍然担任着节拍器的角色。肖邦教导学生：“旋律的节奏会有松有紧，有快有慢，但是伴奏部分还是要按照正常的节奏速度。”想要做到这一点是很难的，要求两只手有完全独立的能力。自由的旋律部分很有可能会打乱伴奏的节奏，如果没有独立控制的能力，那么肖邦劝诫学生还是按照统一的节奏来弹。
“Rubato”一词的意思是伸缩处理，原意为“被夺去的”，是速度的处理手法之一。指演奏（唱）某个音乐片段要求整体上保持乐谱上要求的基本速度，其中各个单拍的拍速稍有不同。如有些时值略长，另一些相应地缩短，后者的一部分时值被前者夺来补偿其伸长的时值。它与随意处理（allibitum）不同，演奏者要保持基本的速度观念。伸缩处理在古典主义音乐作品当中会偶尔碰到，它的根本作用是使乐章有动力感，是音乐表现力的手段之一，它适度地调整了音色和速度。这就像是演奏家通过语速的松紧，来调整音量，加速或舒缓他的措辞。因此，伸缩处理会使音乐产生细微的差别，例如，期待和拖延，激动和松散，不安与平静。但是中庸稳定的速度也很重要，过多的伸缩处理会使音乐整体产生混乱。伸缩处理，在浪漫主义作品中很常见，特别是肖邦的作品。虽然肖邦很擅长做伸缩处理但是他有自己的原则，他要求稳定的伴奏部分和旋律的伸缩处理共同进行。在他看来，这是可行的，他解释道：“有些音，你可以弹得晚，也可以弹得早，两只手不是同步的，然后可以用弥补的方法，使它们成为一个整体。一首曲子五分钟，就是五分钟，这是整体的时间，在其不变的情况下，内部细节可以做伸缩处理。”
肖邦认为，伸缩处理是为了避免曲子从头到尾节奏过于统一而缺少灵活与波动，但是，它要符合一定的情感逻辑，这些逻辑是通过旋律的强弱发展，和声的细节，曲子的结构而产生的，是自然的，流动的。因此，不能过分地加入伸缩处理，这样会使音乐太过做作。肖邦对此强调两点，即伸缩处理的特殊性与普遍性。第一，对于不同作品，不同的演奏者，伸缩处理区有一定的特殊性，没有什么规律可循，也没有对与错，它完全依靠演奏者对风格的把握，对作品的处理和对音乐悟性方面的天分；第二，既然伸缩处理要符合一定的情感逻辑，他的处理也有一些普遍性的规律。音乐进行中，声音渐强一般会处理成渐快，声音渐弱会处理成渐慢。伸缩处理就是把这些处理夸张一些，使音乐突然变得不同。例如，音色对比会更明显，音的时值更加明显。我们在演奏不重要的音的时候往往一带而过，挤出时间放在重要的音身上。这样音乐的构思更加富有诗意，富有活力。当然，那些“偷来的”时间，要及时地补回去。对于这一点，肖邦认为，有才能的学生比较容易做到，对于乐感差的学生不要讲得太多。
弹到伸缩处理，就不得不提起装饰音。因为肖邦在演奏的时候，他常常用装饰音来作为速度的伸缩处理的方式之一。在肖邦很多作品当中，我们不难发现他的装饰音和古典主义时期的很不一样，那是因为他借鉴了声乐唱法中的花腔装饰音。这是歌唱家为了显示自己的声乐技巧而在演唱旋律或者经过句的时候即兴加进去的。肖邦把它用在自己的作品中，形成了独具肖邦特点的装饰音。正因如此，肖邦认为，装饰音应该听起来像是即兴加上去的，而不是通过练习的。很多装饰音都出现在主体重复出现的时候，也就是说，第一次出现主题是简单的旋律音，后面再次出现时，就会加入装饰性质的音。因此，不论装饰变化的音是什么，都要做一些音色变化处理。例如比较一下肖邦《升F大调夜曲》（Op.15,No.2）第3至11小节，与之后主题再次出现第51小节的装饰变化。肖邦不建议把装饰音弹得过于松懈，反而要加紧。这是因为，拉宽处理一般用来强调音乐的主旨内容，而装饰音则是长河中的小溪，仅仅是插入部分。主要的处理方式有以下两种：第一，开始可以拉宽，后面逐渐加快直至消失的装饰音。例如《降E大调夜曲》（Op9,No.2）第16和第24小节：（乐谱编辑中…）
第二，始终保持很快很轻的装饰音。例如《g小调夜曲》（Op.37,No.1）第36小节。
演奏时，要始终保持简单，平静的状态，这是肖邦在上课时一直对学生强调的。他认为，音乐最终要达到返璞归真的境界。这种状态要在我们解决了复杂的技术问题之后，在学习了众多作品并且不断揣摩它们的音乐风格之后，才能够得以实现。一方面，这种状态是大脑与内心的结合，也是理性与感性的结合。肖邦在他的教学中，提到过“情感逻辑”，也就是说，用理性的头脑来分析音乐的情感表现，把所有的情感意愿都化成声音，使聆听的人能够真实地感受到。另一方面，浪漫主义音乐作品更需要保持简单，平静的状态。因为，这个时期的作品情感丰富细腻，声音层次多变，歌唱性强。尤其是肖邦作品中大量的连线，需要的是平稳的控制力，而这种平稳没有手的柔韧性是很难做到的。在肖邦看来，轻易地加上重音或是强调某些音，就会脱离浪漫主义富有诗意的意境。
综上所述，肖邦钢琴教学对当今的钢琴教学研究具有很重要的现实意义，其中具有代表性的教学理念一直因袭至今。例如，在演奏技术方面，身体和手的柔韧性，触键法，手指独立性训练，手指稳定性训练；在音乐的表达方面，他所强调的音乐基本原则，歌唱性原则，节奏的伸缩处理，装饰音处理，演奏状态的培养等，都可以运用到当今的钢琴教学中来，同时，我们也可以更深入地了解当时欧洲钢琴演奏的发展水平。在钢琴教学方面，他始终坚持的原则是：从音乐本身出发，在科学地对待演奏技术与表现力的基础上，发展学生的艺术个性。毫无疑问，肖邦的钢琴教学在秉承传统的同时，把19世纪中期的钢琴教学水平推向了新的阶段。虽然，他曾经也计划要完整地记录下自己的教学法，但由于身体原因，只留下了《教学法之精华》的粗略要点。这部遗稿曾被法国钢琴家，教育家，指挥家阿尔弗雷德·柯托收藏。
今天打开博客，才发现两个月没有触及到文字了。
不知道从何说起，不知道如何下手。
刚刚结束的谈话，让彼此觉得陌生了，是否该改变自己，是否该掩饰自己?
心里总是零零碎碎的，不知道为什么，就像昨晚的梦一样，睁开湿润的眼睛，发现一切都是一场梦，看着窗外，好久没能入睡。
夜的来袭，带走了月亮的美丽。仰望着…心中不停重复着那个问题：懂我的那个人是你吗？
&&&&每天总是重复做着同样的一件事，想着同样的一个问题。反反复复、日日夜夜。
为之付出了很多，也承担了很多，不知道从哪一刻开始，再也不在王子面前流泪了，自己喜欢默默的承担。害怕眼泪，害怕面对，害怕黑夜，害怕梦魇。
就像每天面对琴键一样，每天都要思考一些很无聊的问题，已经习惯了，有时候听一首歌，会让人想起一特定的场景，一些人或者事。
&&&&&&压抑的生活，只因为一个表情。压抑的生活，只因为一个眼神。陷入迷途，越走越远。
&&&&&&逃避，不知道明天会是如何，逃避，不知道以后的生活，逃避吧？！
&&&&&&为什么会改变，真诚的想法被误解了，不愿意去说话，不愿意去交流，拖着疲惫的身躯游走在各种表情中，尽量去躲避，不知道该说些什么，该做些什么
&&&&&&有些事，要改变
&&&&&&静不下心，该如何去做
&&&&渐渐的减少了开电脑，因为忙碌了，背单词，练琴，上课，坚持吧。不知道结果但要努力。
好多事情一直在改变，一切似乎不是那样的简单，那样的如我所愿，一切都顺其自然吧
一个值得纪念的日子。昨晚回家太累了，无力来记录，今天补回来，嘿嘿。
昨天的天气反常得很，真的有种春天的感觉，自己开着车穿梭在马路上，打开天窗，听着音乐，美美的。
放寒假很久了，今天才算是有点时间了，忙里偷闲来记录自己的生活。
每天都在上课，看着又是一批高考的学生，心里又有说不出的滋味，每天重复着同样的事情，每天都去学校，每天都开着车走同样的路线，每天的心情都是不一样的。
马上又要艺考了，考完后我会轻松很多，妈妈开玩笑的说我过年也要加班，哈哈，昨天她们都回家过年了，年初二就又回来了，又开始上课，做最后的努力，明后天还有刻苦的小朋友们要上课，有时候想想，小朋友比我小时候要刻苦，而我还在不停的教育她们要多练琴，也许是因为自己后悔小时候练少了吧，希望她们能更加努力。真正属于自己的也就三天时间，忙碌中感受着快乐，忙碌中感受着幸福，因为心里装着温暖。
此刻的我可以很放松的坐在家里，可以做自己喜欢的事情。静静的敲击着键盘，享受着一切。
又是一年，年后要给自己好好的计划一下了，把小朋友们归还给老师，周末就有自己的时间了，开始学习，为考研做准备，那是一个枯燥的过程，我要坚挺住。
静静的享受生活，享受快乐，感受带给我的每一个幸福，每一次感动